lunes, 14 de octubre de 2019

Nace Durán Monkey Gallery, un nuevo proyecto dedicado al arte contemporáneo en Madrid

Gerada, Legado Urbano
Durán Online Gallery y Monkey Garage se han unido para crear Durán Monkey Gallery (DMG), un nuevo proyecto dedicado al nuevo arte contemporáneo que arrancará el próximo miércoles 16 de octubre y contará con la participación de destacados artistas del panorama artístico actual.

DMG presentará tres exposiciones anuales de artistas contemporáneos en el espacio Monkey Garage de la calle Santa Brígida 11 de Madrid y que podrán visitarse todos los días de 12 a 20 horas. La primera de ellas, que se inaugurará este miércoles y se podrá visitar hasta el 22 de octubre, lleva por título OLD/SCHOOL-Episodio 1. La exposición cuenta con la participación de cinco artistas como Alva Moca, Belin, Chalo Moca, Gerada y Sfhir.

Monkey Garage, un proyecto que aúna arte urbano y moda, está ubicado en un antiguo taller de coches, el primero de Madrid. Se trata de un amplio espacio que conserva el espíritu industrial de sus antiguos tiempos y que da cabida, no solo a atrevidas propuestas de arte y moda, sino a eventos y workshops para todos los públicos.

Por su parte, Durán Online Gallery es una galería de arte que apuesta por los nuevos lenguajes artísticos de creadores contemporáneos. Un espacio virtual multidisciplinar en el que están representados los principales movimientos y tendencias de la vanguardia artística de los siglos XX y XXI.

Además, y debido a su forma de entender el arte como algo vivo, no sólo se tendrá la oportunidad de comprar y disfrutar las obras, sino que también de participar en las actividades programadas.

Agenda NEW/OLD SCHOOL-Episodio 1:


  • Miércoles 16 a las 19:30 gran estreno
  • Jueves 17 a las 20:00 mesa redonda con Sfhir, Chalo y Alva Moca moderada por Óscar García
  • Viernes 18 a las 20:00h Performance Photocall light-painting por Sfhir y Alexandra Lunar
  • Domingo 20 de 11:00 a 13:00 horas taller Hirameki dirigido por Chalo Moca
  • Martes 22 última sesión Episodio 1 NEW/OLD SCHOOL

Sfhir, monoGamo

martes, 1 de octubre de 2019

"La fina línea que separa el arte de la mendicidad" de Marc Montijano denuncia la precariedad en la que viven los artistas


NOTA DE PRENSA

Con la acción, el artista Marc Montijano plantea una reflexión sobre el mundo del arte, denunciando la precariedad en la que viven los artistas en España.

El artista, conocido por sus llamativas performances, ha dispuesto esta mañana un grupo de modelos junto al Museo Nacional Reina Sofia de Madrid (MNCARS). Varios personajes sacados de su característico universo (desnudos, rodeados de cuerdas y con un saco cubriéndoles el rostro), se encuentran simbólicamente mendigando junto al museo. Tres figuras de pie permanecen inmóviles junto a un personaje central sentado, que porta un trozo de cartón con el título de la acción. Una performance, con un mensaje de denuncia, que han podido disfrutar los sorprendidos viandantes que en aquel momento pasaban por la zona.

La performance ha durado pocos minutos, el tiempo necesario para realizar el trabajo y tomar varias imágenes. Una “acción de guerrilla”, como las denomina Marc Montijano, un artista con un trabajo comprometido, que usa el arte como herramienta social. En este caso denunciar y visibilizar el trato abusivo que sufren tantos artistas en este país.

Como ha indicado Montijano: “El Reina Sofía es un símbolo, parto del respeto a esta institución. Pretendo hacer una crítica al mundo del arte en España en general e invitar a la reflexión. En los últimos años, ha habido un boom de infraestructuras culturales, se realizan numerosos proyectos y actividades, la cultura mueve mucho dinero, pero no deja de ser un espejismo. Los recursos, generalmente públicos, llegan mínimamente al creador. La mayor parte de los presupuestos se destinan a sostener la propia infraestructura de las instituciones o de los proyectos, es decir los gastos del continente y del personal que allí trabaja. El artista se mueve entre la gratuidad y los presupuestos irrisorios, en la mayoría de las propuestas. Con ello se ha creado un sistema enteramente amateur, pues la mayoría de artistas en España no pueden vivir del arte y se mantienen con otros trabajos. Artistas, muchos de ellos de renombre, que por orgullo o vergüenza no quieren hacer pública esta situación”.

Montijano, conocido artista de perfomance, que lleva más de diez años trabajando con grandes museos y galerías, alterna voluntariamente proyectos institucionales con acciones completamente independientes, jugando entre lo institucional y la calle. Para según sus palabras, “no dejarme domesticar y seguir siendo libre para hacer y decir lo que pienso”. Este proyecto tiene la intención de dar un mensaje para intentar cambiar la dinámica de muchas instituciones culturales, con la programación saturada de contenido pero vacía de presupuesto para los artistas.

Este trabajo no es puntual dentro de su dilatada trayectoria, el artista ya ha expresado su visión sobre el mundo del arte en diversas ocasiones como con Celebratio vacuum (La celebración del vacío), en la Galería JM de Málaga en 2017, Please, don’t feed the artista, 2016 y El peso del Arte, 2018, acciones llevadas a cabo en el Museo de Jaén. Proyectos que plantean una reflexión sobre los mecanismos que rigen el mundo del arte.

Marc Montijano, artista visual y performer. Doctor en Historia del Arte por la UMA. Su obra posee un gran peso conceptual. La estética turbadora y el fuerte peso mediático de su trabajo, esconde un universo reflexivo y fecundo, con una gran base teórica y un fuerte trasfondo espiritual. Rechazando lo artificioso, reflexiona sobre distintos aspectos de la relación del ser humano y la sociedad actual, habla del hombre embrutecido y la necesidad de cambio.




jueves, 1 de agosto de 2019

Una guía del 798 para principiantes

Imagen de By Immanuel Giel en Wikimedia Commons
Creado en la década de 1950 como fábrica de estilo Bauhaus para la producción de equipamiento militar, el 798 permaneció abandonado durante más de una década después del desguace por parte del estado del complejo industrial a finales de los ochenta. Sin embargo, a principios de los 2000 sus instalaciones se convirtieron en talleres y espacios de exposición de artistas que pretendían escapar de los altos precios inmobiliarios del centro de Beijing y de la excesiva censura del gobierno chino.

Por desgracia, hace mucho que el 798 de Beijing perdió aquella esencia de refugio de artistas renegados que vendían sus obras de forma casi ilegal en pequeños talleres con la que nació. Sin embargo, esta antigua fábrica militar reconvertida en una especie de parque temático de arte contemporáneo chino sigue siendo una cita ineludible para los amantes del arte que visitamos Beijing. Por esta razón, y aunque ya os he hablado en otras ocasiones de este espacio, hoy vamos a revisar los lugares más destacados que debéis conocer. 

El 798 es inmenso, por eso os recomiendo que acudáis con un buen plan de visitas preparado de antemano para no perderos las perlas que os ofrece este lugar. Así que, si este verano tenéis la suerte de visitar la capital de China, aquí tenéis una pequeña ayuda para conocer mejor este espacio.

De entrada, un simple paseo por las calles del 798 te permitirá disfrutar de multitud de piezas, obras de artistas emergentes y consolidados. Tómate tu tiempo y descubre los pequeños rincones de esta inmensa área para descubrir propuestas modestas, y no tan modestas, que se esconden entre sus muros.

Museos y galerías:

Podéis comenzar visitando la imprescindible 798 Space Gallery, todo un clásico del 798 cuya arquitectura, adornada con eslóganes comunistas pintados en rojo sobre las paredes, ya merece una visita en sí misma. Fundada por el artista Huang Rui, famoso por su criticismo cultural y social, este museo ofrece exposiciones de arte contemporáneo, tanto chino como occidental, muy interesantes.

798 Space Gallery. Imagen de Nikolaj Potanin

Otro de los espacios que no te puedes perder en el 798 es el Ullens Center for Contemporary Art (UCCA). La que quizá sea la institución artística independiente más importante de China, fue fundada en el 2007 por Guy Ullens y su mujer Myriam, unos ávidos coleccionistas de arte contemporáneo chino, con el objetivo de convertirse en un canal de intercambio cultural internacional y una incubadora de nuevos talentos. En la actualidad se ha convertido en uno de los espacios ineludibles para los amantes del arte contemporáneo que visiten Beijing. Además, este verano están mostrando una interesante exposición sobre Picasso.


Ullens Center for Contemporary Art. Fuente: Wikimedia Commons

Galería Continua nació en Italia en 1995 y se convirtió en una de las primeras galerías occidentales en abrir una sede en Beijing hace algo más de 12 años. Desde entonces, se ha convertido en uno de los clásicos del 798 gracias a sus colaboraciones con grandes nombres del arte chino actual como Ai Weiwei o Qui Zhije.

Otro clásico del 798 que sigue muy activo es Long March Gallery, una de las primeras galerías en llegar al 798 allá por el año 2002 y que representa a jóvenes artistas chinos cuyos trabajos se centran en la experimentación artística. Y si hablamos de arte experimental, no podéis perderos Gallery Yang


Bares y restaurantes:

El 798 está lleno de bares y cafeterías, la mayoría de ellas ofrecen una experiencia agradable, aunque un tanto caro si lo comparáis con el resto de la ciudad. Sin embargo, me voy a atrever a recomendaros algunos sitios que me gustan mucho.

Si después de una buena caminata por el inmenso espacio que ocupa el 798 os apetece descansar y tomaros un buen café, podéis acercaros hasta el Flatwhite donde podréis disfrutar de un fantástico café, una gran variedad de zumos naturales y algo rápido para picar tipo sándwiches y ensaladas. Además, el Flatwhite tiene un agradable patio donde sentarte a descansar y hacerte fotos que podrás subir a Instagram gracias a la wifi gratis.

En cuanto a restaurantes, si os gusta la cocina italiana y comer algo alejados de la zona más turística, os recomiendo Old Factory. Un bonito restaurante situado en un antiguo almacén de estética Bauhaus que sigue manteniendo los muebles antiguos, la maquinaria y la propaganda socialista de la época industrial. 

Por último, si queréis cenar por la zona, os recomiendo el Timezone 8, es el nuevo "place to be" del arte donde podrás encontrarte con galeristas y artistas de renombre. Su oferta culinaria se basa en una mezcla de cocina japonesa y americana que resulta en platos originales y muy ricos. Por cierto, durante la hora feliz ofrecen 2x1 en bebidas. Pero atención, es caro incluso para los estándares europeos.




Compras:

Y por supuesto, no te pierdas las compras. El 798 está lleno de tiendas en las que encontrarás cosas que no verás en ningún otro lugar del mundo (y no, no estoy diciendo que puedas comprar un gremlin, pero casi). Toda el área está llena de pequeñas tiendecitas donde encontrar objetos de cultura pop china, desde carteles comunistas hasta relojes con la cara de Mao. La tienda del UCCA es especialmente recomendable por su selección de objetos artísticos ideales para decorar vuestra casa. Sin embargo, mi tienda favorita de todo Beijing es Plastered 8, una tienda de camisetas especializada en cultura pop comunista china y soviética donde encontraréis objetos muy bizarros y divertidos. Lamentablemente su sede del 798 estará cerrada este verano por reformas y no reabrirá hasta septiembre, pero podéis visitar sus otras dos sedes en el 61 de Nanluoguxiang y el 60 de Wudaoying Hutong.

Para los que os gusta la música, podéis visitar Li-Pi Records. Esta impresionante tienda abrió en 2008 y poco a poco ha ido extendiéndose hasta su estado actual. En ella podréis encontrar un amplio espectro de estilos musicales, desde música clásica hasta black methal.

Y, sobre todo, regatear. Regatead siempre y regatead mucho. Es parte de la cultura china. 




Por supuesto que en el 798 hay mucho más que ver y que hacer, pero por desgracia la mayoría de las veces no tenemos más que un par de días para visitarlo, por lo que creo que esta es una buena selección para los que visitéis este espacio por primera vez.

A continuación, os dejo todas las direcciones en caracteres chinos para que podáis imprimirlos y mostrárselos al taxista (no vale con escribir como suenan los caracteres, no lo entienden):
  • 798 Space Gallery: 朝阳区酒仙桥路4
  • UCCA: 朝阳区酒仙桥路4798艺术区 4号路 伦斯当代艺术中
  • Galleria Continua: 朝阳区酒仙桥路2
  • Long March Gallery: 朝阳区酒仙桥路2
  • Gallery Yang: 朝阳区798艺术区酒仙桥路2号
  • Flatwhite: 请带我去 朝阳区酒仙桥路4号大山子艺术区
  • Old Factory: 朝阳区酒仙桥路4
  • Timezone 8: 朝阳区酒仙桥路4
  • Plastered 8: 朝阳区酒仙桥路4798艺术区中二
  • Li-Pi Records: 朝阳区酒仙桥路4号798艺术区

viernes, 31 de mayo de 2019

"Pride Blue Tongue Men" de Roberto González Fernández en Factoría de Arte y Desarrollo

"Al igual que se dice de los nobles que son de sangre azul, las personas a las que estoy retratando (todos gais) son seres excepcionales a su manera, por eso son de “lengua azul”. Así me explicaba hace unos meses Roberto González Fernández, el significado de su serie "Pride Blue Tongue Men", durante una agradable entrevista en su domicilio madrileño.

Durante la entrevista, Roberto me revelaba cómo surgió la idea de contraponer dos retratos de un mismo protagonista, el primero de un modo introspectivo con los ojos cerrados y la lengua oculta, el segundo mostrando orgulloso una lengua azul. "Esta serie es una alegoría sobre el concepto de identidad y en concreto el de los hombres que están orgullosos de sentirse y vivir como gais. Una cosa que parece tan natural, pero que hasta hace muy poco no se reconocía y se ocultaba" me relató.

Sin duda, se trata de una de las series más interesantes del trabajo de González Fernández por las implicaciones personales que conectan la serie con la vida del artista y por tratarse de uno de los mejores ejemplos de su madurez artística. Una alegoría sobre el concepto de identidad y la importancia de contribuir a la visibilidad de la diferencia.

Pues bien, a partir de este viernes 31 de mayo, podéis disfrutar del trabajo de Roberto González Fernández en Factoría de Arte y Desarrollo, gracias a la exposición comisariada por David Trullo, sin duda una de las personas que mejor conoce su obra. Y donde, por cierto, podréis ver el díptico para el que posé, ya que Roberto tuvo la amabilidad de ofrecerme ser uno de sus hombres de lengua azul.



"Pride Blue Tongue Men"
Factoría de Arte y Desarrollo
Hasta el 23 de junio

martes, 30 de abril de 2019

Taller de cianotipia con David Trullo

La cianotipia es un un primitivo proceso fotográfico inventado en 1842 por el astrónomo inglés sir John Herschel. Los cianotipos de caracterizan por su monocronismo basado en el azul Prusia, lo que les confiere unas cualidades expresivas que siguen fascinando a fotógrafos y artistas contemporáneos de todo el mundo.

Si estáis interesados en conocer y dominar esta técnica, nuestros amigos de Factoría de Arte y Desarrollo junto al artista David Trullo os ofrecen un taller de cianotipia. El curso será impartido las mañanas del fin de semana del 11 y 12 de mayo en su sede la calle Valverde en Madrid. Como sus propios organizadores nos explican, el objetivo del taller es "experimentar procesos creativos a través de técnicas de fotografía analógica".

Sobre David Trullo

En otras ocasiones ya os hemos hablado del trabajo de DavidTrullo ya que se trata de uno de los artistas más interesantes del panorama actual madrileño (además de ser un buen amigo nuestro). Artista visual especializado en fotografía y con una trayectoria de más de 20 años, ha expuesto en importantes museos, galerías y ferias tanto de Europa como de América.

Para más información podéis pinchar aquí o poneros en contacto con el profesor a través de su email.


miércoles, 20 de marzo de 2019

7º Aniversario Why On White

Hoy hace 7 años que emprendí esta aventura llamada Why On White. Lo que en un principio comenzó como una plataforma de lanzamiento para un proyecto más grande, finalmente se convirtió en un proyecto con entidad propia. En este tiempo Why On White me ha deparado numerosas alegrías y satisfacciones permitiéndome conocer a artistas y profesionales a los que admiro. Además de divulgar la actualidad del arte contemporáneo chino a miles de lectores en lengua española. Por todo ello, lo único que puedo decir es muchas, muchísimas gracias por seguirme.

J.

sábado, 2 de marzo de 2019

Entrevista con los organizadores de Ctrl Art Supr "queremos reivindicar la buena praxis en las industrias culturales"

En plena vorágine de la Semana del Arte, y con la efervescencia de los últimos preparativos, los organizadores de Ctrl Art Supr han sacado unos minutos para contestarnos unas preguntas sobre esta original propuesta. Hablamos con Fernando Vaquero, Raúl Casassola, Marta Hita y Arturo Alarcón sobre cómo se organiza una feria y los valores e ideas que priman en su propuesta.



¿Cómo surgió la idea de Ctrl Art Supr?
Ctrl Art Supr fue un proyecto que desarrollamos en 2013 junto con Urban Side, una asociación que se dedicaba a la producción, promoción y programación de eventos. Nos conocimos porque nuestras sedes estaban muy cercanas y teníamos como objetivo común fomentar y dar a conocer el tejido artístico de Madrid. Nosotras ya llevábamos tiempo trabajando con artistas locales y nos dimos cuenta de la necesidad de realizar un encuentro en el que las distintas creadoras pudieran conocerse, intercambiar su experiencia en el mundo del arte y que tanto público como agentes culturales y artistas pudiésemos reunirnos y tomar consciencia de grupo y de que juntos conseguimos más.

¿Qué puede aportar una iniciativa como Ctrl Art Supr a la Semana del Arte en Madrid?
Precisamente creemos que el aspecto de convivencia es una de las cuestiones que faltan en esta semana. Para los artistas es una semana de mucha actividad, pero con poco tiempo realmente de pararse y observar lo que hay a tu alrededor. Desde SAdN creemos que es en estos momentos, en los que hay espacio para conversar tanto con otros artistas como con público, cuando se llega a conclusiones muy interesantes a las que, a lo mejor, en la soledad del estudio, sería más complicado llegar.

Además, queremos reivindicar la buena praxis en las industrias culturales. Muchos de estos artistas se encuentran con una gran desinformación a la hora de saber qué derechos y obligaciones adquieren al interactuar con galerías, instituciones, etc. Desgraciadamente, es un aspecto en el que se incide poco en la educación artística y es uno de los aspectos fundamentales para desarrollar una carrera en condiciones justas. Para ello no solo contaremos con una charla con el colectivo Insultarte, que se dedica a la divulgación de este tipo de conocimiento, si no que tenemos el placer de contar con Madrinas y Padrinos, artistas consagrados que compartirán su experiencia tanto con los artistas como con cualquiera que asista a sus mesas redondas.

Habladnos de esas madrinas y padrinos que estarán presentes en esta edición.
En esta edición contamos con cuatro grandes artistas.
Empezaremos con una charla con “Raúl”, que desde 1986 y durante doce años realizó ilustraciones para el diario El País y que ahora publica en los periódicos La Razón y La Vanguardia sumando más de 3 décadas de colaboración en la prensa española. En paralelo, ha realizado abundante obra gráfica, sobre la que nos hablará en su charla “Contra Raúl” a las 19:30 del viernes.

El sábado empezaremos a las 12:00 en una mesa redonda con Eva Lootz, Premio Nacional de Artes Plásticas en 1994. Lootz ha trabajado con diferentes lenguajes artísticos como la instalación, el dibujo, el grabado, la fotografía, el audio y el vídeo. Su obra suele interpretarse como una reflexión sobre la intervención humana en la naturaleza, construyendo un discurso en torno a la memoria, al tiempo y a los problemas esenciales del hombre.

Seguiremos el sábado a las 13:30 en otra mesa redonda con Isidoro Valcárcel Medina, también Premio Nacional de Artes Plásticas (2007), que siempre se ha mostrado muy comprometido con la creación y crítico con las tendencias del arte comercial. De su “pintura habitable” evoluciona hacia la construcción de lugares mediante “environments” y “performances”. Y es a partir de 1972 cuando sus trabajos se realizan principalmente en espacios de grandes dimensiones o interviene áreas urbanas.

Y para finalizar, Ana Solano, que ha invertido conjuntamente el espacio de la lavandería con los artistas noveles y proyectará su documental “No existimos” a las 19:30, con debate posterior. Ana Solano es escritora, realizadora, video artista y productora. En el campo de la investigación empieza los primeros proyectos de vídeo, instalaciones, performance sobre mujeres en las vanguardias del siglo XX. Sus investigaciones dentro del campo de la alfabetización de género se centran en el impacto del arte digital y el videoarte en la primera infancia. También es creadora de “EXPERIMENTA NUEVO CINE “y “PROYECTO ARTE DE HOY”, dos plataformas donde se realizan, documentales, cortos experimentales y piezas de arte sonoro en colaboración con artistas de diferentes disciplinas y países.

¿No hay una sobredosis de arte en tan solo una semana?
En cierta manera sí, aunque eso también produce que la oferta cultural se diversifique y busque nuevos formatos, lo que es positivo. Hay que tener en cuenta que ARCO tiene una función muy específica y, debido a la cantidad de propuestas y a su carácter de feria, no es el lugar ideal para ver arte. Puede que de alguna manera la percepción que se ha transmitido en los medios no haya incidido lo suficiente en este punto, pero está claro que su magnitud hace que se genere un interés en estas fechas y que aparezcan otras propuestas.

Para nosotros, esa variedad indica claramente que hay muchas ganas por parte de distintos colectivos de realizar actividades y de dar a conocer otras formas de disfrutar y consumir productos culturales. 

Vosotros mismos habéis declarado que Ctrl Art Supr es una forma de reiniciar el arte ¿por qué queréis hacer algo así?
Más que reiniciar el arte tiene que ver con reiniciar formatos expositivos. El arte, casi por definición, vive siempre en crisis y, por tanto, siempre se está renovando. Sin embargo, las instituciones suelen reaccionar a estos cambios y suelen tardar un tiempo en adaptarse y aceptar determinadas corrientes (que, por otra parte, muchas veces huyen de lo institucional). También queremos que se desmitifique la percepción que se tiene del artista -esa especie de aura que todavía parece conservar la profesión- y existan menos reticencias a la hora de hablar con un artista que admiramos o del que queremos saber más.

Más o menos, pasa lo mismo cuando un artista que empieza se encuentra con otro ya con una larga trayectoria profesional. Tendemos a pensar en generaciones como algo bastante estanco y lo bello del arte es cómo a través de los ojos de otro creador podemos plantearnos mundos y puntos de vista que a lo mejor nos serían ajenos de otra manera y construir sobre ello.

¿Qué imagen tenéis del tejido artístico madrileño actual?
Creemos que el tejido madrileño necesita un impulso importante. Realmente no es por falta de artistas de calidad, pero en muchas ocasiones nos encontramos con que para comenzar su carrera tienen que emigrar a otros destinos en los que se apoya más la creación cultural. Es una lástima, porque no solo dificultamos la consolidación del tejido, si no que se pierde una gran oportunidad de crear muchas profesiones en torno a la actividad cultural. En ocasiones parece existir una voluntad de crear “marca ciudad” desde la institución, especialmente de cara al turismo y siguiendo modelos como el de Berlín, pero realmente el carácter de una ciudad viene desde la ciudadanía y, en el caso que nos ocupa, desde los artistas locales, que son los que dan forma a la actividad cultural.

Ctrl Art Supr nació en el 2013 ¿Qué habéis aprendido en este tiempo?
Afortunadamente, ¡muchas cosas! Aparte de lo que suponen las experiencias personales, hemos aprendido a tener una visión más clara de nuestros propios proyectos. Cualquier tipo de trabajo conlleva un aprendizaje constante; la gestión cultural no es una excepción y según vas siendo más ambicioso en tus propuestas, vas encontrando piedras en el camino que hay que aprender a sortear. Como equipo también conocemos mejor nuestros papeles y bajo qué filosofía queremos desarrollar nuestra actividad como Sin Ánimo de Nombre.

En esta edición habéis trasladado la ubicación a Bastardo Hostel ¿Por qué este cambio de sede? 
Pasó de una manera bastante casual en realidad, pero no podríamos estar más contentos. En un principio queríamos volver a la misma sede que en 2013, pero la dirección del hostal ya tenía otros compromisos. Fueron ellos quienes nos sugirieron contactar con Bastardo Hostel, que ha recibido la propuesta con los brazos abiertos. Hubo muy buen entendimiento mutuo desde el principio, porque desde Bastardo ya vienen realizando actividades culturales y talleres en su espacio, así que poder contar con un lugar así que apuesta por el arte ha sido un placer y una estupenda sorpresa.

¿A qué tipo de público va dirigido Ctrl Art Supr?
Es un evento gratuito, así que a cualquiera que tenga interés por ver lo que los creadores noveles del entorno de Madrid están dispuestos a ofrecer. Queremos hacer un especial llamamiento a los artistas también. Creemos que poder asistir a las mesas redondas de Eva Lootz e Isidoro Valcárcel Medina, la proyección del documental “No existimos”, de Ana Solano y su posterior debate o la charla sobre historieta ilustrada de Raúl van a ser grandes oportunidades para conocer de primera mano el proceso artístico de grandes nombres. Además, recuerdo que Insultarte estará dando información muy jugosa sobre el marco fiscal, legal y laboral de las trabajadoras culturales.

Y aparte de la intervención del espacio del hostel por parte de los 14 artistas visuales tendremos propuestas de danza, música y poesía, ¡así que hay algo para todo el mundo1

Arte urbano, arte plástico, poesía, música ¿no es un poco locura juntar tantas disciplinas artísticas en un solo lugar y en tan solo dos días?
¡Puede que sí! Pero en Sin Ánimo de Nombre nos gustan los retos. Y siempre hemos sido muy de mezclar disciplinas. En otro de los proyectos que hacemos desde la asociación, SANfest, uno de los músicos que actuó comentaba que siempre solía ir a eventos relacionados con música, pero, por ejemplo, no solía ir a recitales de poesía y que viendo el resto de propuestas fue más consciente de que los lenguajes pueden ser distintos, pero al final la creación artística busca siempre lo mismo: ser un reflejo de lo humano.

¿Qué valores han predominado a la hora de hacer la selección curatorial de los artistas?
Como comentábamos, la intención del proyecto es servir de apoyo a artistas que de momento no tienen representación institucional, pero que darán que hablar en los siguientes años por la calidad de sus propuestas. Queremos aprovechar la atención que se produce en la Semana del Arte, así que intentamos hacer hincapié en la escena madrileña, reivindicar la producción artística local y crear comunidad en torno a la cultura.


A continuación os dejamos el programa de actividades de Ctrl Art Supr para este fin de semana.