¿Eres artista? Absolut te está buscando para su nueva campaña global

Como ya hiciera en ocasiones anteriores en la que artistas como Basquiat, Mariscal o Barceló fueron los ganadores, Absolut está buscando un diseñador para su nueva campaña global.

Para encontrar el artista emergente que cree la imagen de Absolut que se convertirá en la imagen de la nueva campaña, han convocado el certamen internacional Absolut Creative Competition, una iniciativa que apuesta por la creatividad “como motor para crear un mundo mejor y más abierto”.

Este año, el concurso creativo de Absolut llega con su edición más internacional. Más de 15 países convocarán a sus artistas más emergentes para que apelen a buscar un mundo mejor y más abierto con la creatividad como base.

#AbsolutCompetition llama a participar a artistas de todo el planeta para que compartan su visión de un futuro mejor, a través de su plataforma "Create a better tomorrow, tonight". Un proyecto que pretende "inspirar, apoyar y a las mentas más creativas del mundo para que lideren un cambio positivo y una visión más abierta y humana de nuestra sociedad". 

El premio final del concurso será convertirse en el creador de la próxima campaña mundial de Absolut que se verá en dos de los lugares más transitados de Europa, Piccadilly Circus y Postdame Platz; una masterclass con uno de los medios de referencia en artes y tendencias como es Toilet Paper Magazine y una retribución de 20.000€.

Podéis participar a través de la web www.absolut.com/es/competition en la que podréis consultar las bases y toda la información sobre las especificaciones artísticas. Para ello tendréis que demostrar vuestro talento subiendo una pieza creativa de la característica botella de Absolut. Tenéis de plazo hasta el 31 de enero del año que viene.

El lanzamiento de la iniciativa tendrá lugar el próximo jueves en la galería Swinton Gallery en un evento que contará con la presencia de artistas, galeristas, gestores y medios de comunicación y durante el cual tendrá lugar un debate sobre la contemporaneidad en el arte.

Abierta convocatoria V edición Mujeres Mirando Mujeres

©Charo Guijarro. Entrevista Mercedes Palaín. 2016.  

Mujeres Mirando Mujeres llega a su V edición convocando a más de 300 agentes del arte entre artistas, comisarias, blogueras, comunicadoras, galeristas, directoras de ferias de arte contemporáneo, museólogas, investigadoras, críticas, teóricas, coleccionistas y proyectos colectivos de género.

Como en las ediciones anteriores, la iniciativa se centrará en la visibilización del trabajo de las diferentes profesionales del arte a través de una serie de artículos que, de forma diaria a partir del 9 de marzo, se publicarán en su web en tres diferentes formatos:

1. Presentaciones de artistas: realizadas por comisarias, galeristas, directoras de ferias de arte, gestoras de espacios culturales, museólogas o teóricas.
2. Entrevistas de artistas: realizadas por blogueras, comunicadoras o periodistas especializadas en arte que nos desvelarán las fórmulas y motivaciones de artistas relevantes.
3. Proyectos invitados: iniciativas gestionadas y/o comisariadas por gestoras del arte, siempre orientados a implementar acciones de carácter colectivo y/o que supongan un apoyo a cuantas artistas lucharon por su posicionamiento en el mundo del arte.

La convocatoria está abierta tanto a aquellas agentes del arte que hayan participado en años anteriores como aquellas otras que se postulen por primera vez.

Como cada año desde su II edición Why On White participará como media partner de este proyecto que nos apasiona y al que consideramos sumamente necesario en el mundo del arte actual.

Las propuestas de participación en Mujeres Mirando Mujeres, en cualquiera de sus tres categorías, deberán remitirse antes del 30 de noviembre al mail colaboradorasmmm@arteaunclick.es. Podéis consultar las bases aquí y si queréis seguir el evento a través de las redes sociales podéis hacerlo siguiendo en hashtag #MmiraM19.

©Verónica Ruth Fías.  Mira que si te quise completa.  Presentación  Nerea Ubieto. 2017

张雅心 Zhang Yaxin, el fotógrafo de la ópera revolucionaria

Canción de la montaña Yimeng, 1975

En este artículo os quiero hablar de una de esas rarezas artísticas que a veces nos regala el arte contemporáneo chino y que lo hace tan peculiar y apasionante. Un artista original, brillante y muy poco conocido fuera de China. Se trata de Zhang Yaxin (张雅心).

Nacido en Heishan (黑山) en 1933, Zhang Yaxin se graduó en fotografía en la Academia de Cine de Changchún (长春), tras lo cual entró a trabajar como reportero fotográfico en la agencia Xinhua en 1963, donde se dedicó a documentar la vida diaria y los eventos políticos de la China de la época. Fue en esta agencia donde ganó una gran popularidad como fotógrafo, lo que le llevó a ser escogido por Jian Qing, esposa de Mao y una de las figuras clave dentro de la política cultural en la época, para documentar la ópera revolucionaria de nueva creación basada en los cánones estéticos de la ópera tradicional china y oficialmente permitidas por el gobierno maoísta durante la Revolución Cultural. 

La Ópera China

Los que hayáis podido disfrutar de una auténtica ópera china, estaréis de acuerdo conmigo en que se trata de una experiencia única que te sumerge en la realidad de la cultura y la sociedad del país de un modo impactante.

Como casi cualquier experiencia cultural producida en China, la ópera no se parece en nada al concepto que tenemos en occidente. Dentro de las más de 300 variedades diferentes de ópera tradicional, la más famosa es, sin duda, la Ópera de Pekín, que es considerada como una de las máximas expresiones artísticas de la cultura china.

En la ópera china se mezcla danza, teatro, canto, acrobacia, música y poesía. Todo ello aderezado con un vestuario muy sofisticado y colorido y con intérpretes que cantan, bailan y realizan ejercicios acrobáticos al mismo tiempo. El maquillaje de los interpretes es, además, de suma importancia ya que conforma una especie de máscara que define al personaje que interpretan.

Existen diversos personajes arquetípicos que podríamos resumir en: sheng (生), protagonista masculino que en vez de maquillaje lleva barba; zhengdan (正旦), protagonista femenina; ching (净), para los guerreros que suelen ser personajes de gran envergadura; el chou o payaso (丑) para personajes cómicos y los waimo (外末) o waidan para personajes secundarios.

Pero es imposible explicar el preciosismo, la sutileza y la estética propia de la ópera china solo con palabras, así que os dejamos una breve introducción para que podáis disfrutarla y entenderla un poquito mejor.

La Ópera de Pekín se sigue representando en la actualidad en los grandes teatros de todo el país, contando además con una gran aceptación por parte del público. Como curiosidad, os contaré que, en la actualidad, siguen existiendo pequeños teatros en los barrios de las ciudades chinas, donde se puede disfrutar de una de estas representaciones por parte de pequeñas compañías. El ambiente suele ser distendido y cercano. Los teatros suelen estar llenos de chinos bebiendo, fumando y comiendo pipas y, si consideras que el intérprete está haciendo una buena representación, debes levantarte en medio de la misma y entregarle una propina que recogerá sin interrumpir su actuación. Una auténtica experiencia de inmersión en la cultura china que os recomendamos fervientemente disfrutar si tenéis pensado viajar a China.

La montaña Azalea, 1974

La Revolución Cultural

El 16 de mayo de 1966 el Partido Comunista de China anuncia el inicio de la "Gran Revolución Cultural Proletaria", más conocida simplemente como la Revolución Cultural (无产阶级文化大革命), un proceso de transformación de la sociedad china que acarrearía dolorosas consecuencias para la vida política, económica y social del país.

El objetivo oficial de la Revolución Cultural era eliminar de la sociedad china las influencias capitalistas y derechistas que habían sido introducidas por los intelectuales de derechas infiltrados en el Partido Comunista Chino. En la práctica, esto se tradujo en purgas políticas, ejecuciones y severos castigos para millones de personas que en muchos casos fueron enviados a "centros especiales de reeducación".

La finalidad real era crear un culto a la personalidad de Mao para mantenerlo en la hegemonía del poder y los protagonistas de este proceso fueron los jóvenes que tomaron el Libro Rojo de Mao (un compendio de sus enseñanzas) como la guía del buen comunista.

Un instrumento fundamental en la Revolución Cultural serían las artes escénicas que, redefiniendo por completo las normas artísticas y estéticas de la China tradicional, servirían para la reeducación de las masas.

Si bien durante los primeros años de la República Popular la ópera china contó con el apoyo del gobierno que promocionó la ópera de Pekín con la creación de nuevas compañías, con la revolución cultural las óperas pekinesas originales pasaron a ser consideradas por el régimen como elementos culturales obsoletos que debían ser transformados. De este modo, las tradicionales operas chinas pasaron a estar prohibidas durante más de 10 años, los autores e intérpretes fueron perseguidos y la mayoría de las compañías acabaron disolviéndose.

Sin embargo, debido a la gran popularidad de esta disciplina artística, el gobierno decidió mantener este tipo de arte vivo, pero modernizándolo de acuerdo a los valores comunistas y revolucionarios. La elegida para llevar a cabo la "misión" fue Jian Qing, esposa de Mao, que decidió crear un nuevo tipo de óperas que representaran el sacrificio de las clases populares chinas, pero manteniendo la estética y la técnica de las óperas tradicionales.

En total se crearon 6 óperas y 2 ballets que siguieran las ideas de Mao sobre el arte que se fundamentaban en que "el arte debe servir a los intereses de trabajadores, campesinos y soldados y deben ajustarse a la ideología proletaria". Estas obras eliminaban a los tradicionales personajes de la ópera de Pekín y los sustituían por personajes contemporáneos divididos en dos grupos donde los "buenos" eran los campesinos, trabajadores y soldados revolucionarios y los "malos" eran los terratenientes y nobles. Sin embargo, las obras mantenían la estética preciosista y el estilo musical basado en la percusión acelerada de los instrumentos musicales.

Tras la muerte de Mao y la caída Jiang Qing, las tradicionales de óperas de Pekín pasaron a estar de nuevo permitidas.

Incursión en el regimiento de tigre blanco, 1971

La obra de Zhang Yaxin (张雅心)

Para documentar las nuevas obras de ópera revolucionaria, Jiang Qing escogió a Zhang Yaxin como fotógrafo oficial. Para poder captar la estética colorista de las mismas se le facilitó una de las tres únicas cámaras a color que por aquel entonces existían en China, además de tener acceso a todos los rollos de Kodak a color que fueran necesarios (por el contrario, sus compañeros reporteros de Xinhua solo recibían tres rollos por año). El poder trabajar con esta tecnología tan avanzada en aquel momento le facilitó poder dotar a sus imágenes de un fuerte colorido y preciosismo que se hicieron característicos en su obra. Además, fabricó una caja en la que encajar la cámara para poder realizar las fotografías durante las representaciones sin molestar con el ruido al disparar.

El resultado es una serie de trabajos a la que tituló Red Times en la que se mezcla la estética preciosista de vivos y saturados colores característica de la ópera de Pekín con una iconografía plenamente comunista de personajes que luchan por el bien común de la sociedad dejando de lado los intereses particulares de los protagonistas.

Gracias a la técnica de Zhang Yaxin los personajes se convierten en una especie de esculturas en movimiento donde la suntuosidad del vestuario, los vivos colores, la solemnidad de los gestos y la intensidad de las emociones grabadas en sus miradas inundan toda la escena.

Una auténtica "rareza" en la fotografía contemporánea que consiguió que su peculiar estética se convirtiera en un icono que dominó las artes visuales de China durante años y continúa ejerciendo una intensa influencia hasta el día de hoy (solo tenéis que fijaros en el colorido merchandaising ofrecido a los turistas).

En 1976, con la muerte de Mao Zedong y el encarcelamiento de su mujer Jiang Qing, las óperas proletarias dejaron de representarse y Zhang Yaxin pudo volver a trabajar como reportero gráfico, en esta ocasión para el People's Daily.

Preguntado por la revista Time sobre si le gustaron alguna vez las óperas revolucionarias Zhang Yaxin se muestra contundente "No, en absoluto. Fue una tarea política ordenada por mi superior, no tuve otra opción".

Frente a la colorida y vitalista obra de Zhang Yaxin, que nos presenta una visión idealizada de la ópera china, podríamos contraponer el trabajo de un fotógrafo como Liu Zheng (刘铮) del que ya os hablamos en nuestro blog y que nos presenta una visión mucho más profunda sobre la dura vida de los interpretes de ópera pekinesa, centrándose en sus miserias y dificultades.

En la actualidad, Zhang Yaxin vive y trabaja en Beijing.

Incursión en el regimiento de tigre blanco, 1971

Destacamento rojo de las mujeres, 1973

Canción de la montaña Yimeng, 1975

La montaña Azalea, 1974

Incursión en el regimiento de tigre blanco, 1971

Spain Moving Images Festival 2018

Mañana comienza el Spain Moving Images Festival 2018 que en su tercera edición se celebrará en Madrid del 22-30 junio.

Spain Moving Images Festival es un festival de creación audiovisual, cine y videoarte asiático que se celebra en Madrid. El festival mezcla las propuestas más vanguardistas de cineastas y artistas emergentes de Asia con los grandes clásicos y pioneros de esta disciplina con el objetivo de dar a conocer las obras y creadores audiovisuales actuales más relevantes y vanguardistas de China, Japón, Corea, India y el Sudeste Asiático.

Organizado por la Asociación de Industria del Cine Asiático en España y América Latina (AFIAS), en colaboración con otras instituciones, este año el Spain Moving Images Festival presenta, una cuidada selección de largometrajes, cortos y vídeos, además de varias instalaciones audiovisuales, que podrán verse en las cuatro sedes principales del festival: Cineteca, Círculo de Bellas Artes, Naves Matadero y Sala Equis.

Programación

El Spain Moving Images Festival ofrece una amplia y cuidada programación que abarca el cine de autor e independiente asiático más joven, arriesgado y relevante de la actualidad. Esta edición, la memoria será el elemento en torno a la que girará toda la programación.

Aparte de las secciones oficiales a concurso de largometrajes y cortos, el Festival incluye también una selección de filmes de animación, vídeo y cine experimental, así como su sección Asian Classics, dedicada a recuperar figuras fundamentales del cine asiático contemporáneo.

Spain Moving Images Festival desarrolla también toda una serie de actividades paralelas en torno a la creación audiovisual y cinematográfica asiática, que incluyen exposiciones, presentaciones de libros, charlas y encuentros con realizadores y expertos.

Además, este año, para conmemorar los 150 años de la firma del Tratado de Amistad, Comercio y Navegación entre los gobiernos de Japón y de España, el Spain Moving Images Festival ofrecerá en esta edición una muestra especial sobre cine japonés dedicada a los creadores más jóvenes compuesta por cuatro títulos escogidos para la ocasión.

Podéis encontrar toda la programación del festival aquí. 

Y si queréis más información sobre videoarte en China os recomendamos nuestro post "影像艺术 El videoarte y la experimentación multimedia en China".

"Amiko". Dir.: Yoko Yamanaka. Japón, 2017. Sección Oficial Largo

"Ella" ("Her"). Dir.: Kim Go-eun. Corea del Sur, 2015. Sección Oficial Animación

"El florecimiento" ("The Blooming"). Dir.: Isora Iwakiri. Japón, 2016. Sección Oficial Largo

"Al bajar de las montañas" ("Down from the mountains"). D.: Max Duncan. China/Reino Unido, 2018. Sección Oficial Cortos

"Arte y China después de 1989: El teatro del mundo" en el Guggenheim de Bilbao

La mayor exposición hasta la fecha dedicada al arte contemporáneo chino llega al Guggenheim de Bilbao entre polémicas y aplausos.

Wang Guangyi “Mao Zedong: Cuadrícula roja n.º 2” 1988

Como sabéis, si seguís nuestro blog, a pesar del protagonismo internacional del que goza el arte chino contemporáneo en todo el mundo, en nuestro país sigue siendo muy poco habitual el poder disfrutar de exposiciones sobre este tema.

Sin embargo, en los últimos años estamos viendo un ligero aumento en las exposiciones temporales que las grandes instituciones dedican al arte contemporáneo chino y, si el año pasado fue El Prado el que dedicó una de sus exposiciones estrella a la obra de Cai Guo Qiang –uno de los artistas chinos más relevantes–, hoy es el Guggenheim de Bilbao el que nos muestra la escena artística de China durante el periodo de su máximo crecimiento económico, a partir de 1989.

Un poco de historia

El periodo escogido por los comisarios, de 1989 al 2008, no es al azar. Tras la caída el maoísmo, Deng Xiaoping se hizo con el poder, liderando una serie de reformas económicas que se tradujeron en un espectacular crecimiento de la economía China. Sin embargo, esa apertura en lo económico del régimen comunista, no se tradujo en una apertura política real, por lo que en 1989 un movimiento estudiantil inició una serie de revueltas y manifestaciones en todo el país que culminaron con los tristes sucesos de la plaza de Tiananmén.

El 13 de mayo, grupos de estudiantes y obreros ocuparon la simbólica plaza de Tiananmén y comenzaron una huelga de hambre para solicitar al gobierno chino un avance en las reformas democráticas que incluyera derechos como la libertad de expresión. Este hecho logró un gran impacto en toda China y pronto las protestas saltaron a otras ciudades del país. Además, consiguieron atraer la atención internacional y de los medios de todo el mundo que se apresuraron a cubrir la noticia. Ante esta situación, Den Xiaoping optó por la utilización de la fuerza para acabar con las protestas. Se enviaron varias unidades de acorazados del Ejército Popular de Liberación a ocupar la ciudad y desalojar la plaza. Las cifras de muertos y heridos en la represión de las protestas sigue siendo un secreto, pero se calcula que varios cientos (puede que miles) de estudiantes perecieron arrollados por los tanques.

Si bien las revueltas no alcanzaron sus objetivos políticos, la fecha de 1989 supuso un punto de inflexión en la política y las reformas chinas que influyó notablemente en el trabajo de los artistas de la época.

Mientras el mundo experimentaba el final de la Guerra Fría y el desarrollo de la globalización, China se convertía en una potencia mundial gracias un espectacular crecimiento de económico, con tasas de dos cifras cada año, y la apertura al comercio internacional que se tradujo en el ingreso en la Organización Mundial de Comercio en 2001 tras unas complicadas negociaciones.

La era de fuerte crecimiento económico y de la apertura a occidente tuvo su cenit en 2008 con la celebración de los Juego Olímpicos de Beijing en los que el país pudo demostrar ante el mundo lo brillante de su economía y sistema político.

Es en este periodo, 1989-2008, en el que los comisarios han decidido enmarcar la exposición, ya que los artistas de esta época fueron los representantes más objetivos y genuinos de los rápidos cambios que se iban sucediendo en la sociedad china, pero también sus críticos más notables. Se abrieron a las formas de expresión occidental para –incluyendo las tradiciones artísticas propias– crear performances, pinturas, fotografías, vídeos e instalaciones que implicaran a la propia sociedad en una actitud crítica ante los cambios. Además, contaron con un singular aliado, ya que el mercado del arte occidental se abría a nuevas formas de expresión provenientes de culturas muy alejadas, lo que propició que el arte contemporáneo chino se convirtiera de los más codiciados por los coleccionistas occidentales.

Wang Xingwei “Nuevo Pekín” 2001

La exposición

Dividida en seis secciones temáticas organizadas de modo cronológico, la muestra incluye diversas técnicas artísticas como pintura, fotografía, instalaciones, vídeoarte y performance cuyo hilo conductor es la actividad de los artistas chinos como observadores críticos e incluso como protagonistas de la eclosión de China como potencia mundial, lo que les ha llevado a situarse en el foco del ámbito artístico internacional.

Según explica Alexandra Munroe, principal comisaria de la muestra, la exposición “gira en torno a artistas, grupos y movimientos clave de China y de la escena internacional, que con sus provocaciones aspiran a forjar una realidad libre de ideología, a reforzar el papel del individuo frente al colectivo y a definir la experiencia contemporánea en China según una perspectiva universal”.

En la muestra se pueden encontrar muchos de los artistas más relevantes de la escena artística actual en China e internacional, y de los que os hablamos de forma habitual en este blog, como Ai Weiwei, Cai Guo-Qiang, Cao Fei, Hong Hao, Liu Wei, Liu Zheng, Qiu Zhijie, Song Dong, Wang Gongxin, Wang Guangyi, Wu Shanzhuan, Xiao Lu, Xu Bing, Xu Zhen, Yang Fudong, Yang Zhenzhong, Zeng Fanzhi, Zhang Huan, Zhang Peili o Zhang Xiaogang.

La exposición se verá acompañada por un ciclo de cine con una selección de obras realizadas por el artista y activista político Ai Weiwei que se celebrará del 1 al 3 de junio.

Cai Guo-Qiang “El siglo de los hongos atómicos: Proyecto para el siglo XX (Mirando hacia Manhattan)” 1996

La polémica

Como casi siempre pasa cuando hablamos de arte chino contemporáneo, la muestra viene acompañada por su propia polémica. Organizaciones por la protección del bienestar animal han llamado a protestar por la utilización de animales vivos en algunas de las obras expuestas.

Las obras que han suscitado la polémica son Theatre of the World (1993), de Huang Yong Ping, que da nombre a toda la exposición y que consiste en una estrecha jaula en la que reptiles, anfibios e insectos compiten por la supervivencia ante la mirada del público, y A Case Study of Transference (1994) de Xu Bing, un vídeo sobre una performance en la que dos cerdos con sus pieles pintadas con caracteres chinos se aparean.

Ambas obras fueron retiradas en las exposiciones previas celebradas en el Guggenheim de Nueva York y en la Vancouver Art Gallery, lo que provocó la correspondiente protesta por parte de los artistas y comisarios. Sin embargo, en esta ocasión el Guggenheim de Bilbao ha argumentado que la decisión de mostrar las piezas se basa en el respeto a la libertad de expresión de los artistas.

Una vez más, la polémica está servida ante los límites del arte y lo políticamente correcto y en Why On White os invitamos a dejar vuestros comentarios al final del artículo con vuestra opinión.

En conclusión, esta es una de las exposiciones sobre arte contemporáneo chino más importantes que hemos tenido en nuestro país. Una oportunidad única para conocer artistas de primer orden, obras relevantes y las principales tendencias artísticas de China.

Yang Jiechang “Líneas de vida I” 1999

Huang Yong Ping “La historia de la pintura china y Breve historia de la pintura moderna lavadas en una lavadora durante dos minutos” 1987 (reconstruido en 1993)

Chen Zhen “Alumbramiento apresurado” 1999

Ai Weiwei “Dejando caer una vasija de la dinastía Han” 1995 

"Arte y China después de 1989: El teatro del mundo"

Museo Guggenheim Bilbao

Hasta el 23 de septiembre

Óscar García nos presenta #NoPorAmorAlArte

Oscar García presentando #NoPorAmorAlArte en ARCO

Hoy os traemos una entrevista a Óscar Garcia director de Plataforma de Arte Contemporáneo (PAC) para que nos cuente en que consiste #NoPorAmorAlArte, una iniciativa tan interesante como necesaria. 

¿Qué es #NoPorAmorAlArte?

El proyecto #NOPORAMORALARTE surge como reconocimiento y apoyo al trabajo de los artistas. Se trata de una iniciativa social para apoyar el trabajo de los artistas plásticos, fotógrafos, actores, escritores, ilustradores, diseñadores... Muchos de los profesionales del arte y la cultura no cuentan con el apoyo profesional y económico que debería existir, como en cualquier otro sector. Y muchas veces tienen que trabajar por amor al arte.

#NOPORAMORALARTE se fundamenta en el diseño de una camiseta con un lema de apoyo a este sector, que afirma “NO TRABAJO POR AMOR AL ARTE”. La persona que compra esta camiseta está realizando un apoyo en dos direcciones: por un lado, con la utilización de la camiseta y su difusión en redes sociales, ayuda a difundir un lema que describe una situación a cambiar en el mundo del arte y la cultura; por otro lado, al comprar la camiseta está realizado una donación para que ese dinero se invierta en la realización de proyectos artísticos transparentes.

¿Cómo surgió la idea?

Los artistas plásticos son uno de los sectores más afectados dentro de la cultura. Mucha gente piensa que porque un artista ame su trabajo y disfrute creando es un “hobby”, en lugar de un trabajo remunerado. De ahí surgió la idea de crear un proyecto de concienciación y reflexión sobre esta situación.

¿Por qué una camiseta?

Las camisetas con lema o mensaje se han convertido en una tendencia en el mundo de la moda. Temas como el feminismo, la política, la moda o la educación son sintetizados en lemas reivindicativos por diferentes marcas. ¿Por qué no apoyar el arte y la cultura a través de este medio?

¿Dónde se podemos comprar la camiseta?

La camisetas #noporamoralarte se puede comprar online en este enlace y físicamente en Swinton & Grant en la calle Miguel Servet 21 28012 Madrid.

El responsable de este blog y un señor de Lleida apoyando
la iniciativa.

En WoW hemos hablado en otras ocasiones sobre la precariedad de los profesionales del arte ¿Hay muchos artistas que trabajan "por amor al arte”?

Por desgracia sí, y es algo que debemos cambiar. Cuando pides un presupuesto a un carpintero o fontanero en ningún momento piensas en que te regale su trabajo o que lo intercambie por promoción o difusión gratis.

Los datos de “La Actividad Económica delos/las Artistas en España”, estudio realizado por la Universidad Lebrija 2017, definen muy bien esta situación.  “El 50% de los artistas declara percibir ingresos por debajo del salario mínimo interprofesional, y menos del 15% manifiesta que puede vivir solo del arte”. 

Pero los artistas o creadores no son los únicos afectados, esta situación también la encontramos en otros agentes ligados a los artistas como pueden ser los comisarios o críticos. 

¿Crees que la situación de precariedad de los artistas españoles es similar en otros países de nuestro entorno?

Hay países vecinos que se encuentran en una situación parecida y otros que están más concienciados. Pero en España parece que hablar de dinero cuando uno pinta, escribe, compone una canción o crea es de mal gusto. Y hay que tener claro que la culturas existe gracias a la posibilidad de crear cultura, es tan sencillo como eso. Si los creadores no pueden crear, la cultura desaparece.

¿A dónde irá a parar la recaudación de este proyecto?

En breve, veréis como en diferentes proyecto artísticos y culturales realizados por PAC Plataforma de Arte Contemporáneo aparece “apoya NOPORAMORALARTE”. Esto quiere decir que el proyecto estará financiado con el dinero de la venta de las camisetas, y que parte de él es gracias a ti por adquirir una de ellas. 

¿Cómo se seleccionarán los proyectos que se beneficien de esta iniciativa?

Desde PAC Plataforma de Arte Contemporáneo realizaremos una labor curatorial eligiendo a los artistas, comisarios y diferentes agentes que intervendrán en los diversos proyectos. Aún no están definidos, pero en breve empezaremos a darlos a conocer.

En esta iniciativa PAC cuenta con el apoyo de Swinton & Grant. Cuéntanos un poco más sobre esta colaboración.

#NOPORAMORALARTE es un proyecto de PAC Plataforma de Arte Contemporáneo que cuenta con una colaboración fundamental por parte de Swinton & Grant. Ellos nos dan un soporte fundamental en el proyecto, ya que la camiseta está a la venta en su tienda física y online. Además, Swinton Gallery fue el lugar elegido para la presentación del proyecto y donde dimos en exclusiva la noticia de la participación de #NOPORMAORALARTE en 5 ferias en la semana del arte, el pasado mes de febrero: Arco, JustMAD, Urvanity, Hybrid y Darwin Room.

¿Cómo percibís el apoyo que habéis recibido del mundo del arte ante esta iniciativa?

Estamos muy contentos por todo el apoyo que estamos recibiendo. Tanto de artistas y creadores como de coleccionistas, comisarios, gestores culturales, galerías… Las redes sociales están llenas gente vistiendo con orgullo nuestra camiseta y eso nos hace muy felices.

¿Qué tendría que pasar para que considerarais este proyecto un éxito?

El éxito comienza al concienciar a unos pocos que conciencian a otros. Es un tema educativo y de respeto a una profesión, al que queremos aportar nuestro granito de arena.