miércoles, 9 de mayo de 2018

"Arte y China después de 1989: El teatro del mundo" en el Guggenheim de Bilbao

La mayor exposición hasta la fecha dedicada al arte contemporáneo chino llega al Guggenheim de Bilbao entre polémicas y aplausos.

Wang Guangyi “Mao Zedong: Cuadrícula roja n.º 2” 1988
Como sabéis, si seguís nuestro blog, a pesar del protagonismo internacional del que goza el arte chino contemporáneo en todo el mundo, en nuestro país sigue siendo muy poco habitual el poder disfrutar de exposiciones sobre este tema.

Sin embargo, en los últimos años estamos viendo un ligero aumento en las exposiciones temporales que las grandes instituciones dedican al arte contemporáneo chino y, si el año pasado fue El Prado el que dedicó una de sus exposiciones estrella a la obra de Cai Guo Qiang –uno de los artistas chinos más relevantes–, hoy es el Guggenheim de Bilbao el que nos muestra la escena artística de China durante el periodo de su máximo crecimiento económico, a partir de 1989.

Un poco de historia

El periodo escogido por los comisarios, de 1989 al 2008, no es al azar. Tras la caída el maoísmo, Deng Xiaoping se hizo con el poder, liderando una serie de reformas económicas que se tradujeron en un espectacular crecimiento de la economía China. Sin embargo, esa apertura en lo económico del régimen comunista, no se tradujo en una apertura política real, por lo que en 1989 un movimiento estudiantil inició una serie de revueltas y manifestaciones en todo el país que culminaron con los tristes sucesos de la plaza de Tiananmén.

El 13 de mayo, grupos de estudiantes y obreros ocuparon la simbólica plaza de Tiananmén y comenzaron una huelga de hambre para solicitar al gobierno chino un avance en las reformas democráticas que incluyera derechos como la libertad de expresión. Este hecho logró un gran impacto en toda China y pronto las protestas saltaron a otras ciudades del país. Además, consiguieron atraer la atención internacional y de los medios de todo el mundo que se apresuraron a cubrir la noticia. Ante esta situación, Den Xiaoping optó por la utilización de la fuerza para acabar con las protestas. Se enviaron varias unidades de acorazados del Ejército Popular de Liberación a ocupar la ciudad y desalojar la plaza. Las cifras de muertos y heridos en la represión de las protestas sigue siendo un secreto, pero se calcula que varios cientos (puede que miles) de estudiantes perecieron arrollados por los tanques.

Si bien las revueltas no alcanzaron sus objetivos políticos, la fecha de 1989 supuso un punto de inflexión en la política y las reformas chinas que influyó notablemente en el trabajo de los artistas de la época.

Mientras el mundo experimentaba el final de la Guerra Fría y el desarrollo de la globalización, China se convertía en una potencia mundial gracias un espectacular crecimiento de económico, con tasas de dos cifras cada año, y la apertura al comercio internacional que se tradujo en el ingreso en la Organización Mundial de Comercio en 2001 tras unas complicadas negociaciones.

La era de fuerte crecimiento económico y de la apertura a occidente tuvo su cenit en 2008 con la celebración de los Juego Olímpicos de Beijing en los que el país pudo demostrar ante el mundo lo brillante de su economía y sistema político.

Es en este periodo, 1989-2008, en el que los comisarios han decidido enmarcar la exposición, ya que los artistas de esta época fueron los representantes más objetivos y genuinos de los rápidos cambios que se iban sucediendo en la sociedad china, pero también sus críticos más notables. Se abrieron a las formas de expresión occidental para –incluyendo las tradiciones artísticas propias– crear performances, pinturas, fotografías, vídeos e instalaciones que implicaran a la propia sociedad en una actitud crítica ante los cambios. Además, contaron con un singular aliado, ya que el mercado del arte occidental se abría a nuevas formas de expresión provenientes de culturas muy alejadas, lo que propició que el arte contemporáneo chino se convirtiera de los más codiciados por los coleccionistas occidentales.

Wang Xingwei “Nuevo Pekín” 2001

La exposición


Dividida en seis secciones temáticas organizadas de modo cronológico, la muestra incluye diversas técnicas artísticas como pintura, fotografía, instalaciones, vídeoarte y performance cuyo hilo conductor es la actividad de los artistas chinos como observadores críticos e incluso como protagonistas de la eclosión de China como potencia mundial, lo que les ha llevado a situarse en el foco del ámbito artístico internacional.

Según explica Alexandra Munroe, principal comisaria de la muestra, la exposición “gira en torno a artistas, grupos y movimientos clave de China y de la escena internacional, que con sus provocaciones aspiran a forjar una realidad libre de ideología, a reforzar el papel del individuo frente al colectivo y a definir la experiencia contemporánea en China según una perspectiva universal”.

En la muestra se pueden encontrar muchos de los artistas más relevantes de la escena artística actual en China e internacional, y de los que os hablamos de forma habitual en este blog, como Ai WeiweiCai Guo-QiangCao FeiHong HaoLiu WeiLiu ZhengQiu ZhijieSong DongWang GongxinWang GuangyiWu ShanzhuanXiao LuXu BingXu ZhenYang FudongYang ZhenzhongZeng FanzhiZhang HuanZhang Peili o Zhang Xiaogang.

La exposición se verá acompañada por un ciclo de cine con una selección de obras realizadas por el artista y activista político Ai Weiwei que se celebrará del 1 al 3 de junio.

Cai Guo-Qiang “El siglo de los hongos atómicos: Proyecto para el siglo XX (Mirando hacia Manhattan)” 1996

La polémica

Como casi siempre pasa cuando hablamos de arte chino contemporáneo, la muestra viene acompañada por su propia polémica. Organizaciones por la protección del bienestar animal han llamado a protestar por la utilización de animales vivos en algunas de las obras expuestas.

Las obras que han suscitado la polémica son Theatre of the World (1993), de Huang Yong Ping, que da nombre a toda la exposición y que consiste en una estrecha jaula en la que reptiles, anfibios e insectos compiten por la supervivencia ante la mirada del público, y A Case Study of Transference (1994) de Xu Bing, un vídeo sobre una performance en la que dos cerdos con sus pieles pintadas con caracteres chinos se aparean.

Ambas obras fueron retiradas en las exposiciones previas celebradas en el Guggenheim de Nueva York y en la Vancouver Art Gallery, lo que provocó la correspondiente protesta por parte de los artistas y comisarios. Sin embargo, en esta ocasión el Guggenheim de Bilbao ha argumentado que la decisión de mostrar las piezas se basa en el respeto a la libertad de expresión de los artistas.

Una vez más, la polémica está servida ante los límites del arte y lo políticamente correcto y en Why On White os invitamos a dejar vuestros comentarios al final del artículo con vuestra opinión.

En conclusión, esta es una de las exposiciones sobre arte contemporáneo chino más importantes que hemos tenido en nuestro país. Una oportunidad única para conocer artistas de primer orden, obras relevantes y las principales tendencias artísticas de China.

Yang Jiechang “Líneas de vida I” 1999

Huang Yong Ping “La historia de la pintura china y Breve historia de la pintura moderna lavadas en una lavadora durante dos minutos” 1987 (reconstruido en 1993)

Chen Zhen “Alumbramiento apresurado” 1999

Ai Weiwei “Dejando caer una vasija de la dinastía Han” 1995 

"Arte y China después de 1989: El teatro del mundo"
Museo Guggenheim Bilbao
Hasta el 23 de septiembre

lunes, 26 de marzo de 2018

Óscar García nos presenta #NoPorAmorAlArte

Oscar García presentando #NoPorAmorAlArte en ARCO
Hoy os traemos una entrevista a Óscar Garcia director de Plataforma de Arte Contemporáneo (PAC) para que nos cuente en que consiste #NoPorAmorAlArte, una iniciativa tan interesante como necesaria. 

¿Qué es #NoPorAmorAlArte?
El proyecto #NOPORAMORALARTE surge como reconocimiento y apoyo al trabajo de los artistas. Se trata de una iniciativa social para apoyar el trabajo de los artistas plásticos, fotógrafos, actores, escritores, ilustradores, diseñadores... Muchos de los profesionales del arte y la cultura no cuentan con el apoyo profesional y económico que debería existir, como en cualquier otro sector. Y muchas veces tienen que trabajar por amor al arte.

#NOPORAMORALARTE se fundamenta en el diseño de una camiseta con un lema de apoyo a este sector, que afirma “NO TRABAJO POR AMOR AL ARTE”. La persona que compra esta camiseta está realizando un apoyo en dos direcciones: por un lado, con la utilización de la camiseta y su difusión en redes sociales, ayuda a difundir un lema que describe una situación a cambiar en el mundo del arte y la cultura; por otro lado, al comprar la camiseta está realizado una donación para que ese dinero se invierta en la realización de proyectos artísticos transparentes.

¿Cómo surgió la idea?
Los artistas plásticos son uno de los sectores más afectados dentro de la cultura. Mucha gente piensa que porque un artista ame su trabajo y disfrute creando es un “hobby”, en lugar de un trabajo remunerado. De ahí surgió la idea de crear un proyecto de concienciación y reflexión sobre esta situación.

¿Por qué una camiseta?
Las camisetas con lema o mensaje se han convertido en una tendencia en el mundo de la moda. Temas como el feminismo, la política, la moda o la educación son sintetizados en lemas reivindicativos por diferentes marcas. ¿Por qué no apoyar el arte y la cultura a través de este medio?

¿Dónde se podemos comprar la camiseta?
La camisetas #noporamoralarte se puede comprar online en este enlace y físicamente en Swinton & Grant en la calle Miguel Servet 21 28012 Madrid.

El responsable de este blog y un señor de Lleida apoyando
la iniciativa.
En WoW hemos hablado en otras ocasiones sobre la precariedad de los profesionales del arte ¿Hay muchos artistas que trabajan "por amor al arte”?
Por desgracia sí, y es algo que debemos cambiar. Cuando pides un presupuesto a un carpintero o fontanero en ningún momento piensas en que te regale su trabajo o que lo intercambie por promoción o difusión gratis.

Los datos de “La Actividad Económica delos/las Artistas en España”, estudio realizado por la Universidad Lebrija 2017, definen muy bien esta situación.  “El 50% de los artistas declara percibir ingresos por debajo del salario mínimo interprofesional, y menos del 15% manifiesta que puede vivir solo del arte”. 

Pero los artistas o creadores no son los únicos afectados, esta situación también la encontramos en otros agentes ligados a los artistas como pueden ser los comisarios o críticos. 

¿Crees que la situación de precariedad de los artistas españoles es similar en otros países de nuestro entorno?
Hay países vecinos que se encuentran en una situación parecida y otros que están más concienciados. Pero en España parece que hablar de dinero cuando uno pinta, escribe, compone una canción o crea es de mal gusto. Y hay que tener claro que la culturas existe gracias a la posibilidad de crear cultura, es tan sencillo como eso. Si los creadores no pueden crear, la cultura desaparece.

¿A dónde irá a parar la recaudación de este proyecto?
En breve, veréis como en diferentes proyecto artísticos y culturales realizados por PAC Plataforma de Arte Contemporáneo aparece “apoya NOPORAMORALARTE”. Esto quiere decir que el proyecto estará financiado con el dinero de la venta de las camisetas, y que parte de él es gracias a ti por adquirir una de ellas. 



¿Cómo se seleccionarán los proyectos que se beneficien de esta iniciativa?
Desde PAC Plataforma de Arte Contemporáneo realizaremos una labor curatorial eligiendo a los artistas, comisarios y diferentes agentes que intervendrán en los diversos proyectos. Aún no están definidos, pero en breve empezaremos a darlos a conocer.

En esta iniciativa PAC cuenta con el apoyo de Swinton & Grant. Cuéntanos un poco más sobre esta colaboración.
#NOPORAMORALARTE es un proyecto de PAC Plataforma de Arte Contemporáneo que cuenta con una colaboración fundamental por parte de Swinton & Grant. Ellos nos dan un soporte fundamental en el proyecto, ya que la camiseta está a la venta en su tienda física y online. Además, Swinton Gallery fue el lugar elegido para la presentación del proyecto y donde dimos en exclusiva la noticia de la participación de #NOPORMAORALARTE en 5 ferias en la semana del arte, el pasado mes de febrero: Arco, JustMAD, Urvanity, Hybrid y Darwin Room.

¿Cómo percibís el apoyo que habéis recibido del mundo del arte ante esta iniciativa?
Estamos muy contentos por todo el apoyo que estamos recibiendo. Tanto de artistas y creadores como de coleccionistas, comisarios, gestores culturales, galerías… Las redes sociales están llenas gente vistiendo con orgullo nuestra camiseta y eso nos hace muy felices.

¿Qué tendría que pasar para que considerarais este proyecto un éxito?

El éxito comienza al concienciar a unos pocos que conciencian a otros. Es un tema educativo y de respeto a una profesión, al que queremos aportar nuestro granito de arena. 




miércoles, 21 de marzo de 2018

¡Censurados! (II): Las imágenes que Facebook no te quiere enseñar

Charo Guijarro
Continuamos con nuestra serie de artículos dedicados a la censura actual en el arte con un post dedicado en exclusiva a las redes sociales. 

En el ámbito digital la censura adquiere unas características propias de su naturaleza. Por un lado está la censura de las propias compañías propietarias de las redes que con la excusa de la "protección al menor" (como si los menores no tuvieran un acceso ilimitado a la pornografía en internet) tratan de imponer unas normas basadas en estrategias empresariales o incluso, en algunos casos, políticas. Por otra parte, es el propio usuario el que en ocasiones, se vuelca en contra de un comentario que considera ofensivo para su comunidad o contrario a su ideología, lo que en muchas ocasiones supone que los artistas vean coartada su libertad de expresión para evitar que legiones de trolls ataquen sus cuentas.

Lo cierto es que la mayoría de la censura que se sucede en Facebook e Instagram suele corresponder a imágenes de desnudo explícitos, la cuál se justifica normalmente por el acceso que los menores tienen a esas redes. Sin embargo, el debate se produce cuando esas imágenes corresponden a obras de arte y la idoneidad de que los menores accedan a representaciones de desnudos.

Un claro ejemplo lo vivimos hace unas semanas cuando Facebook decidió censurar una imagen de la Venus de Willendorf. La imagen fue subida a la red social por Laura Ghianda, quien se define a si misma como artivista, y fue borrada por ser considerada un "contenido inapropiado". 

La Venus de Willendorf, una joya del arte paleolítico y uno de los descubrimientos arqueológicos más famosos de la historia, tiene unos 29.500 años de antigüedad y con sus apenas 11cm de alto es la obra maestra de la colección del Museo de Historia Natural de Viena.

Finalmente la red social reconoció el error, pidió disculpas y aseguró que aunque no permiten desnudos, hacen una excepción con las esculturas. Pero ¿acaso la pintura, el dibujo, la fotografía o el vídeo no son técnicas artísticas tan válidas como la escultura?

También el Museo Patio Herreriano de Arte Contemporáneo Español, situado en Valladolid, ha sido víctima de la censura de Facebook al mostrar en su cuenta de la red social una imagen del fotógrafo francés Willy Ronis titulada Desnudo con punto a rayas y en la que se mostraban los pechos de una mujer. El propio museo declaraba que "de momento los algoritmos de Facebook no saben distinguir contenido inapropiado de una obra de arte".

Willy Ronis, Desnudo con punto a rayas, 1970

Por todo esto, en Why On White queremos abrir el debate sobre la idoneidad de censurar obras de arte, sea por el motivo que sea. Para ello vamos a mostrar obras que en su día fueron prohibidas por su contenido "inadecuado" por parte de Facebook, Instagram u otras redes sociales y páginas web. Además, os invitamos a participar del debate dejándonos vuestros comentarios en el artículo y que compartáis con nosotros las imágenes que en algún momento Facebook os censuró.

Comenzamos el recorrido con dos obras de David Trullo. 'Claws' del 2013 y 'Cupid' del 2012, ambas censuradas por Facebook. Sin embargo, de la segunda, existe una imagen subida por el artista en su Instagram sobre "Queer cabinet", la exposición de Trullo en el Museo de Artes Decorativas.


David Trullo 'Claws' 2013

David Trullo, 'Cupid' 2012

Un caso curioso fue el de Cesar Lacalle, fotógrafo poco acostumbrado a levantar polémicas, que al subir a la red una instantánea de una de sus visitas a la Fundación Helmut Newton fue inmediatamente censurada por no ajustarse a las "normas de la red" lo que además le valió a Lacalle el no poder publicar nada durante 24 horas.




Otro caso curioso es el de Hönevo, artista y director del Bionic Festival. Hönevo nos explica que la primera vez que lanzaron una campaña dirigida a bailarines para la convocatoria del Bionic Festival, Facebook la censuró con el siguiente mensaje "Tu anuncio no se aprobó porque no cumple nuestras políticas de publicidad, ya que incluye una imagen que muestra demasiada piel o contenido sugerente. Facebook no permite utilizar imágenes que muestren a personas en posturas explícitas o sugerentes ni imágenes que muestren desnudos o escote, aunque sea con fines artísticos o educativos".




Muchos conoceréis la obra de Jose Antonio Vallejo, un dibujante cuyo trabajo gira en torno a las diferentes personalidades que conviven en su mundo interior. Sin embargo, para una vez que decidió subir un autorretrato, en forma de fotografía, fue censurado.




Pero si hablamos de un artista censurado en redes, tenemos que hablar del fotógrafo afincado en Barcelona Aurelio Monge. Que está habituado a ello ya que la mayoría de sus obras son desnudos masculinos con una fuerte inspiración barroca.





Las censuras y bloqueos a Aurelio Monge son continuadas y en los últimos días ha vuelto a ser suspendido por una nueva imagen que muestra "demasiada piel". 



Pero no penséis que solo Facebook e Instagram censuran. Una de las imágenes más reconocibles de David Catá fue corregida en una red social rusa. No sabemos exactamente lo que significa el texto, pero al parecer es un aviso de un contenido sensible. Esto demuestra que no es desnudo todo lo que se censura.





¿Pezones femeninos?

Una debate especial merece el caso de los desnudos femeninos. Mientras los pezones masculinos se pueden mostrar sin ninguna problema, los pezones femeninos son inmediatamente eliminados de la red. Ese es el caso, por ejemplo, de la fotógrafa Irene Cruz, de la que por cierto os hemos hablado en varias ocasiones

Cualquiera de nosotros coincidiría en que las imágenes de Irene mezclan ingenuidad y belleza a partes iguales. Son imágenes que parecen sacadas de un cuento de hadas en las que la protagonista es una niña que se adentra en un bosque encantado. No lo considera así, sin embargo, Facebook que decidió rechazar estas imágenes de Irene y clausurar su cuenta hasta en tres ocasiones.




Tampoco se libra de la censura Charo Guijarro. La propia artista nos comenta que los motivos que le comunicaron eran el incumplimiento de las normas comunitarias, las cuales limitan, entre otras, aquellas imágenes abusivas o que causen daño. En palabras de la artista: "ósea, unas normas que acabamos haciendo nuestras a cambio simplemente de seguir en una red social donde la desigualdad campa a sus anchas".



Un ejemplo un tanto extremo es esta imagen que Leila Amat compartíó en Facebook e Instagram a la que previamente ella misma había corregido pixelando los pechos y el sexo. A pesar de esa intervención, ambas redes consideraron que la imagen era demasiado explicita y acabaron censurando su publicación. Aquí os dejamos la versión original. 



La fotógrafa Bárbara Traver trabaja en torno al tema de la intimidad, como ella misma explica "no lo llevo nunca a una mirada sexual, esa no es mi intención. Es lo invisible (o lo visible) de la cotidianidad, lo intimo e introspectivo...". Sin embargo, eso no ha evitado que sus fotografías sean eliminadas en repetidas ocasiones y su cuenta personal bloqueada.





Estas son solo algunas de las muchas obras que cada día son eliminadas de nuestras redes. Ahora nos gustaría que fuerais vosotros los que nos dejarais vuestro comentarios sobre el acierto de incluir estas obras en espacios digitales abiertos. Y si alguna vez han eliminado alguna de vuestras publicaciones, contádnoslo y sentiros libres de compartir la imagen que os eliminaron. Aquí, no os vamos a censurar. 

jueves, 8 de marzo de 2018

Mujeres Mirando Mujeres 2018: "El poder de la presencia"

Yolanda Dorda. Niña
Hoy 8 de marzo, se conmemora el Día Internacional de la Mujerun día en la que las mujeres se unen para reivindicar su papel en la sociedad y para protestar por la falta igualdad de género que a día de hoy siguen sufriendo. Bajo el lema "Si las mujeres paramos, se para el mundo" se ha organizado la actividad principal para celebrar este día, la huelga general feminista laboral, de consumo y de cuidados (podéis acceder al manifiesto oficial a través de web de la Comisión 8M).

Como cada año, para celebrar esta fecha tan necesaria, el equipo de Arte a un Click, presentan Mujeres Mirando Mujeres 2018 repitiendo su formato online de presentaciones, entrevistas y "proyectos invitados" que se presentarán diariamente en su página web a partir de mañana, ya que hoy secundan la huelga feminista. Con el mismo objetivo de siempre de reivindicar la valentía y labor de la mujer en el mundo del arte podréis encontrar artículos que aglutinan a artistas, galeristas, comisarias, gestoras del arte, blogueras, comunicadoras, periodistas, museólogas, teóricas, directoras de ferias de arte. Mujeres que cada día apuestan por la defensa del arte.


Sin embargo, este año cuentan con una importante novedad, una apuesta valiente y necesaria que permitirá seguir consolidando el proyecto de MMM y visibilizando el trabajo de las artistas, una exposición física.

El poder de la presencia
Iris G. Merás. Puerperio

La gran novedad de esta año es, sin duda, la realización de una muestra colectiva titulada "El poder de la presencia" en la que se exhibe el trabajo de artistas que previamente han sido presentadas por destacadas agentes culturales en alguna de las tres ediciones anteriores de MMM.

La exposición tendrá lugar en Est_ArtSpace, un nuevo espacio expositivo localizado en una nave industrial en Alcobendas, del 16 de marzo al 15 de mayo del 2018. Entre las 21 artistas que forman parte de la exposición encontraremos desde nuevas creadoras a otras consolidadas, haciendo gala de la horizontalidad que promulga esta iniciativa. De la Premio Nacional de Fotografía 2016, Isabel Muñoz, a otras emergentes como Miriam Valle o Leila Amat, junto a otras cuya carrera está en proceso de consolidación como Verónica Ruth Frías o Anamusma. 

El poder de la presencia supone un paso más allá para la que será la IV edición del proyecto Mujeres Mirando Mujeres que salta así del plano virtual a un espacio físico con el objetivo de “reunir a aquellas artistas que reflexionen sobre el posicionamiento de la mujer en el mundo del arte y el cuestionamiento de los “lugares o esquemas” a los que hemos sido relegadas”

Desde Mujeres Mirando Mujeres nos comentan que “hemos buscado obras que nos muestren el cambio que entre todas estamos generando, otras posibilidades visuales a través de los ojos de artistas mujeres que están trabajando en la actualidad. Cómo su trabajo hace temblar todos los emblemas de poder y autoridad impuestos hasta hora. Obras que cambien y cuestionen el discurso de la dominancia, narrativas que se posicionen desde una mirada liberadora para la mujer dentro del arte, como artista ante la sociedad y como agente trasformador de la realidad”.


Como cada año, os recomendamos seguir esta iniciativa a través de la página web de Mujeres Mirando Mujeres para conocer mejor el trabajo que diferentes profesionales realizan en el ámbito artístico y a visitar esta exposición permanente que será, sin duda, una de las más interesantes (y necesarias) de la temporada.

Sussana Carro. Colectivo Offmothers

"El poder de la presencia"
Est_Art Space. C/ La Granja, 4, 28018 Alcobendas (Madrid)
Del 16 de marzo al 15 de mayo

jueves, 22 de febrero de 2018

¡Censurados! (I): Las otras obras polémicas de ARCO que nunca fueron censuradas

Vivimos en una época donde la libertad de expresión vive un retroceso. La obstinación de las instituciones públicas por perseguir de oficio a titiriteros, comediantes, raperos o tuiteros y la corrección política exigida a todos los que nos asomamos a las redes sociales han supuesto una regresión en el derecho a expresar todas aquellas opiniones diferentes a las de la mayoría. Por eso en Why On White hemos decidido publicar una serie de artículos en torno a la censura en el ámbito artístico con la intención de generar un debate sobre esta situación.

Con la inauguración de ARCO saltaba la polémica con la censura de la obra Presos políticos de Santiago Sierra que se mostraba en la galería Helga de Alvear. La obra era una serie de 24 retratos con el rostro pixelado en el que se representaban a diferentes personas que, según el autor, están en prisión por razones políticas. Ante la petición de IFEMA de retirar la obra para "tratar de alejar los discursos que desvíen la atención del conjunto de la feria", la galerista decidía retirar la obra.



Ayer, desde las redes sociales de nuestro blog, ya expresamos nuestro rechazo a este tipo de censura, independientemente de que estemos de acuerdo o no con el contenido político de la obra. Por esta razón, y aunque resulte paradójico comenzar esta serie de artículos con obras que nunca fueron censuradas, queremos recordar otras obras muy polémicas que en su día fueron expuestas en ARCO.

Comenzamos con Starway to heaven de Eugenio Merino que causó una gran controversia al ser expuesta en 2010 cuando la Embajada de Israel protesto porque "contenía elementos ofensivos para los judíos, israelíes y, seguramente, para otros".



Eugenio Merino repetiría polémica en 2012 cuando presentó Always Franco, obra por la que la Fundación Francisco Franco presentó una demanda por "Intromisión al honor" que fue desestimada por los juzgados.




El mismo año Antoni Miralda presentaba No hay pan para tanto chorizo.



También Franco fue el protagonista de otra polémica en 2013 cuando Kevin Van Braak presentó La mesa de Franco, una reproducción casi exacta del escritorio del dictador.



El italiano Paolo Schmidlin expuso en 2007 Porno Queen en la que representaba a la Reina de Inglaterra en una clara actitud sexual.



El francés afincado en Zaragoza y habitual de la provocación, Yann Leto, presentó en 2013 Pharmacy Laws para la galería T20 .



Al año siguiente, también Yann Leto volvió a ser protagonista de la polémica con su obra Congress topless



Otra acción muy polémica fue la del graffitero Neko. Era el año 2012 y el periódico El País había invitado a varios artistas urbanos a intervenir su stand en la feria. Con ARCO funcionando y el espacio abarrotado de personas, Neko decidió realizar una acción ilegal pintando la palabra 'Crisis' en las paredes del stand. Tardó apenas unos segundos y en el vídeo de la acción se puede observar como abandona el lugar corriendo con los guardias de seguridad persiguiéndole.




El propio Santiago Sierra, autor de la obra censurada en esta edición, presentó el año pasado una serie de obras pertenecientes a su performance El bebedero en las que la protagonista era la esvástica. Las obras podían verse en la galería italiana Prometeo. Aunque el signo utilizado en las obras hacía referencia al símbolo solar hindú y no a la iconografía nazi, su muestra fue muy controvertida. 




Os invitamos a todos nuestros lectores a dejarnos en los comentarios vuestra opinión sobre este tema y a recordarnos otras obras polémicas en ARCO o en otras ferias similares.