jueves, 27 de julio de 2017

El guerrero a la sombra del cerezo, un retrato del Japón del siglo XVI alejado de los tópicos

Hoy entrevistamos para Why On White a David B. Gil, autor de El guerrero a la sombra del cerezo, la primera obra autoeditada galardonada con el premio Hislibris de Novela Histórica y finalista del Premio Fernando Lara. Sin duda, un éxito que demuestra que la autoedición puede ofrecer al lector obras de gran calidad de autores poco conocidos.


¿De dónde viene tu interés por la cultura japonesa?
Desde muy pequeño, pero no sabría establecer un momento 0. Supongo que, como muchos, entré en contacto con Japón a través del anime, los videojuegos y las artes marciales. Luego, en el instituto ya, comenzaron a llegar los primeros mangas traducidos a España, pero lo que terminó de atraparme fue el primer volumen de la trilogía Musashi, de Eiji Yoshikawa, que Martínez Roca publicó en español allá por los 90. Esa fue mi entrada a la literatura japonesa, desde ahí comencé a leer todo lo que se traducía al español (que en aquel entonces no era ni la décima parte de lo que se publica ahora) y a ver cualquier cosa que hubiera en el videoclub de Akira Kurosawa o Yoji Yamada.

Una de las cosas que más llama la atención cuando lees el libro es el magnífico ejercicio de documentación histórica que has hecho sobre la sociedad japonesa de principios del siglo XVI. ¿Cómo te has documentado?
Ya tenía un conocimiento general del momento histórico, un background formado a partir de los artículos, ensayos y ficciones que había leído a lo largo de los años. Pero cuando comienzas a trabajar en una novela, te das cuenta de que el marco histórico apenas te da las coordenadas temporales y sociales, lo más difícil de documentar es la vida cotidiana, el costumbrismo de aquella época, y eso no lo encuentras en los libros de Historia ni en las biografías de personajes relevantes. Quería hacer un retrato fidedigno del Japón de la época, alejado de los tópicos con los que nos manejamos en Occidente, y la única manera de hacerlo fue, primero, estudiando detalladamente las obras literarias y pictóricas creadas en aquel periodo (siglos XV y XVI), como los grabados ukiyo-e o los diarios de viaje de Matsuo Basho, donde podía encontrar un retrato de primera mano del día a día de ese Japón antiguo. Pero llegó un momento en el que me resultó imprescindible pedir información a fuentes japonesas, y tuve la suerte de conocer a japoneses que me hicieron el gran favor de buscar y traducir para mí todo aquello que yo no encontraba desde aquí.

¿Cuánto tiempo te ha llevado todo ese trabajo de investigación, documentación y redacción de una historia como esta?
Me resulta complicado precisar el tiempo que he trabajado en El guerrero a la sombra del cerezo, han sido muchos años, con más o menos dedicación dependiendo de mis circunstancias. El archivo de texto original que está en mi ordenador se creó en 2009, pero previamente había trabajado más de dos años en planificar la novela y recoger la documentación inicial necesaria. Terminé de escribirla en 2012, pero a eso ha seguido un largo periodo de revisión y reescrituras que se ha prolongado prácticamente hasta su publicación, en 2017.

¿Has podido visitar los paisajes que describes en El guerrero a la sombra del cerezo?
Sí, posteriormente a la primera versión de la novela. La gente suele tener en mente la imagen del escritor que viaja para documentarse, pero eso está al alcance de los autores consagrados que viven de su oficio, un primerizo no tiene esa posibilidad. Así que descubrí esos paisajes a través de la documentación y la ficción que otros habían hecho, y posteriormente los redescubrí en persona. Era algo que en principio no me preocupaba, porque muchos de los escenarios que aparecen en El guerrero ya no existen o se hayan profundamente transformado. Sin embargo, después de estar allí, de visitar los caminos y paisajes que previamente habían recorrido mis personajes, tuve que reescribir muchos pasajes del libro. No porque hubiera incurrido en imprecisiones históricas, sino porque ahora era capaz de transmitir una imagen más potente y vívida de aquellos lugares.

Otra de las cosas que me ha llamado poderosamente la atención es que, en vez de centrarte en el Japón de los samuráis, has decidido dar voz a prácticamente todas las clases sociales del Japón del siglo XVI, ¿por qué?
Como dices, lo habitual en este tipo de historias es que siempre se muestre el mundo de los samuráis, ya sea través de la guerra, los ambientes cortesanos o de la figura del samurái errante. Y aunque también hay mucho de eso en El guerrero a la sombra del cerezo, hay que tener en cuenta que la casta samurái representaba tan solo un 10% de la población. El Japón feudal lo conformaban, principalmente, toda esa población que suele quedar en un segundo plano en la literatura histórica sobre el país: los campesinos que organizaban su vida según los ciclos del arroz, los mercaderes que debían mover sus mercancías por un país fragmentado por la guerra, los miles de peregrinos que viajaban de un templo a otro, los médicos, los ashigaru (esos guerreros que no eran samuráis, pero que constituían la mayor parte de la soldadesca que moría en un campo de batalla)… Todo eso era el Japón de la época y yo quería mostrarlo, quería ofrecerle al lector una imagen polifacética, alejada de estereotipos.

Uno de los personajes que más me ha interesado es el de Ekei Inafune, un médico errante con un carácter pragmático que le lleva a entrar en contacto con la medicina occidental a través de los hospitales de las misiones jesuitas portuguesas. Háblanos un poco de como construiste este personaje.
Quería que la novela girara en torno a dos personajes atípicos, enfrentados con sus circunstancias, y mientras Seizô Ikeda vive un conflicto interno, Ekei Inafune, ese médico errante e independiente, vive un conflicto con su tiempo, con el mundo que le roda. Es un hombre que, gracias a sus viajes por Japón, ha entrado en contacto con la medicina de los “bárbaros del sur”, que es como los japoneses llamaban a los primeros occidentales (portugueses y españoles) que llegaron al país. Inafune ha descubierto que aquellas técnicas médicas son superiores, al menos en ciertas cosas, a la medicina tradicional china y japonesa. Abrazar esta verdad lo convierte en un médico único entre los suyos, pero también lo convierten en una persona repudiada de la que sus propios colegas desconfían. Aun así, Ekei se encuentra decidido a probar cualquier cosa que le ayude a ser mejor médico, pues le motiva una imperiosa necesidad de redención. Debe equilibrar su karma, compensar los actos de un pasado que el lector no conoce.

En contraposición, el otro protagonista, Seizo Ikeda tiene un punto mucho más idealista y defensor de las tradiciones ancestrales, ¿verdad?
Seizo es un muchacho de 9 años, descendiente de una poderosa casa samurái, educado por tanto en un código de valores y una tradición marcial que terminan por marcar su vida de forma dramática. Cuando toda su familia es exterminada en una sola noche, recae sobre él una pesada carga: la de la venganza. Desde esa temprana edad se le instruye y se le educa con este único fin, que se convierte en el motor de su vida no porque él lo haya decidido, sino porque le obligan la ley y la tradición samurái. Es una historia de venganza poco convencional, porque en Occidente estamos acostumbrados al revanchismo alimentado por el odio, surgido de un sentimiento de reparación, pero en el Japón antiguo la venganza era una obligación del afrentado, regulada incluso por leyes. Seizo se convierte en el instrumento de una venganza de la que él mismo duda; siente todos aquellos acontecimientos lejanos, no hay odio en él. Es una persona condenada por su giri, por un deber del que quiere liberarse.

¿Cuál es el proceso para conseguir que personajes del Japón del siglo XVI sean cercanos al público español del siglo XXI?
Creo que las pasiones y sentimientos que mueven a las personas son esencialmente los mismos en todas las épocas y lugares, lo que cambia es la forma de expresarlos o gestionarlos. En ese sentido, el objetivo era que mis personajes se expresaran y se comportaran como lo hacían los japoneses de aquella época, apoyándose en los silencios y los sobreentendidos, de forma mucho más elusiva a como lo hacemos nosotros, pero que, al mismo tiempo, el lector los comprendiera más allá de lo explícito, que pudiera “leer” lo que estos personajes callaban. Si lo conseguía, sabía que empatizarían con ellos, porque son personajes movidos por una historia muy poderosa. Cuando los lectores se acercan a comentarme la novela y me hablan sobre todo de los personajes, de cómo los echan de menos, quiero pensar que lo he conseguido.

¿Crees que en España hay interés por la cultura japonesa?
Japón es uno de los países que más cultura exporta, y lo curioso es que su industria cultural no está orientada a la exportación como, por ejemplo, la estadounidense, sino que es casi reticente. Cuando comenzó a publicarse manga aquí, los editores españoles tenían que convencer a los editores y autores japoneses de que sus historias, efectivamente, tenían interés fuera de sus fronteras. En cualquier caso, la cultura japonesa es muy potente a muchos niveles: cautiva tanto a los practicantes de artes marciales como a los jóvenes que empiezan leyendo manga o a los aficionados a los videojuegos. En España nos hemos enamorado en los últimos años de autores como Haruki Murakami, hemos abrazado con pasión su gastronomía y hemos convertido Japón en uno de nuestros destinos turísticos favoritos. Es evidente que hay un creciente interés en España por todo lo japonés, no tanto como en Francia quizás, que es un país con un japonismo arraigado desde hace décadas, pero es un interés innegable. El número de españoles que visita Japón se ha doblado en los últimos años, y eso no es casualidad.


A pesar de haber sido finalista del Premio Fernando Lara, El guerrero a la sombra del cerezo vio la luz gracias a la autoedición. Posteriormente accediste a editoriales convencionales donde has publicado Hijos del Dios Binario. ¿Cómo valoras el papel de ambas formas de edición y el futuro del sector?
La autopublicación te permite un control total sobre la obra y que el autor se embolse la mayor parte del dinero que su obra genera. La publicación tradicional pone a tu disposición, sobre todo, distribución: llevarte a las estanterías de las librerías, que siguen siendo el principal canal de venta de libros; y en menor medida, promoción. Creo que la estructura lógica y sensata, a lo que el negocio tendrá que evolucionar, es a que las editoriales hagan lo que solo ellas pueden hacer, que es publicar y explotar los libros en papel, y que el autor conserve los derechos de su obra en digital para explotarlos directamente, porque no necesitas a una editorial para publicar en eBook.

¿No da un poco de respeto un éxito tan rápido?
En realidad, solo se puede percibir como rápido desde fuera. Para mí el proceso ha sido largo y costoso, he llegado a esto por pura obstinación. Hay que tener en cuenta que El guerrero a la sombra del cerezo está escrita desde 2012 y que, durante todos estos años, pese a ser finalista de un premio tan importante como el Fernando Lara o convertirse en la primera obra autopublicada en ganar un Hislibris, ninguna editorial quiso arriesgarse con el libro. Solo después de convertirse en un bestseller de Amazon España y de publicar una segunda novela (que nada tiene que ver con esta), los editores han decidido apostar por El guerrero en papel. La gente escucha que la editorial ha tenido que imprimir una segunda edición a la semana de estar el libro en la calle y parece que es un éxito caído del cielo, pero eso sucede porque, durante dos años, muchas personas han leído y recomendando el libro cuando era un ebook autopublicado, y había un importante número de lectores que estaban esperando esta edición en papel.

Has publicado un cuento, Shokunin, que es un spin off de El guerrero a la sombra del cerezo. ¿Quiere eso decir que habrá otras continuaciones en el futuro? ¿Otra novela o más cuentos?
Una continuación, no creo. El guerrero a la sombra del cerezo es una obra autoconclusiva y bastante cerrada. Nunca hay que decir de esta agua no beberé, porque puede surgir una buena historia para retomar a los personajes. Las buenas ideas no abundan, son caprichosas y, si surge una, tienes que aprovecharla. Pero por ahora no lo tengo en mente. Lo que sí pienso hacer es regresar al periodo histórico; de hecho, en la novela que estoy escribiendo ahora vuelvo al Japón feudal. Respecto a Shokunin (publicado exclusivamente en digital), es un divertimento, un relato de detectives ambientado en el Japón feudal y protagonizado por el médico Ekei Inafune. Los que hayan leído la novela ya saben que la trama de este personaje tiene mucho de misterio e investigación, es casi un noir feudal, si se me permite el juego de palabras, y me apetecía explotar esta faceta del personaje escribiendo para él un relato policiaco a lo Arthur Conan Doyle. Me alegro de que los lectores se hayan hecho cómplices de esta travesura y le estén dando tan buen recibimiento.

miércoles, 19 de julio de 2017

¿Pueden los knowmads adaptarse al ámbito artístico?

Los knowmads se convertirán en los próximos años en los profesionales más solicitados por las empresas, personas inquietas siempre receptivas a los cambios y abiertas a poner a disposición de un proyecto todo su conocimiento. Pero, ¿qué es un knowmad?

Imagina que tienes una pequeña galería y que quieres posicionar su web en la primera página de Google. No tienes los conocimientos técnicos para hacerlo por ti mismo, ni tienes presupuesto para contratar a un especialista en SEO ya que estos profesionales son muy cotizados. ¿Qué podrías hacer? Puedes contratar a un especialista de 3 a 6 meses, que es lo que se tarda aproximadamente en posicionar una web adecuadamente. Después, este profesional se marchará a otra empresa donde aplicará sus conocimientos durante otros meses, después a una tercera empresa, y así sucesivamente. Este profesional que va contratando sus servicios basados en sus conocimientos técnicos de una empresa a otra, es lo que se conoce como un knowmad.

Los knowmads son altamente empleables en prácticamente cualquier sector y pueden basar su profesionalidad en una amplia gama de materias, aunque todos comparten dos cualidades, su amplio conocimiento en una técnica específica y su flexibilidad laboral, lo que les hace muy deseables por las empresas que buscan contratar solo durante unos meses.

Sin embargo, no debemos confundir este nuevo modelo de empleabilidad con la precariedad laboral tan extendida en nuestro país y muy especialmente en el sector cultual y que normalmente asociada a perfiles poco cualificados técnicamente y que se ven obligados encadenar contratos mal remunerados. Los knowmads son profesionales que eligen libremente este tipo de empleabilidad porque les permite sacar un mayor beneficio económico a sus conocimientos.

El modelo ya es ampliamente conocido en el ámbito artístico donde comisarios, gestores o artistas, se emplean de forma temporal en galerías y museos para sacar adelante proyectos de tan solo tres o cuatro meses para después saltar a proyectos diferentes.

El término fue acuñado por John Moravec para referirse a aquellos profesionales que saben cómo adaptarse adecuadamente a los avances que sufren en su ámbito profesional gestionando eficazmente su más valioso activo: su conocimiento del sector. Algo así como una especie de nómadas del conocimiento denominados así por la mezcla del término know (conocimiento) con nomad (nómada). Una figura que se adapta a la liquidez del nuevo entorno laboral fruto de una sociedad donde el cambio es constante y en el que el trabajo como lo conocemos se está quedando obsoleto. 

A continuación, os dejo un video del propio John Moravec dando una charla TEDx en la que nos habla sobre los knowmads (en inglés).



Si el cambio de paradigma laboral se da prácticamente en todos los ámbitos profesionales, en la cultura es especialmente notable, tanto por el peso específico de la tecnología en las nuevas formas de creación artística como por su rol en la gestión de proyectos e instituciones culturales. Por ello los profesionales de la cultura debemos de convertirnos en knowmads de la cultura, adaptándonos a la llegada de las nuevas tecnologías a nuestro entorno profesional cambiando nuestra forma de trabajar y adquiriendo nuevas habilidades que aplicaremos a nuestra labor diaria. O si no, al menos debemos aprender a trabajar con ellos. 

Esto implica abrazar el cambio y a las nuevas realidades que nos imponen los desarrollos tecnológicos como internet, aprendiendo siempre y gestionando adecuadamente nuestro conocimiento. Debemos mantener siempre la mente abierta para absorber nuevas formas de trabajar, para enriquecernos con el conocimiento que nos ofrecen otros y para ser flexibles, abandonando las ideas como 'siempre se ha hecho así' o el 'no merece la pena cambiar'. Debemos evolucionar y convertirnos en agentes válidos para nuestra empresa ayudándola a encontrar nuevos modelos de negocio y nuevas formas de colaborar.


¿Cómo puedo convertirme en un knowmad de la cultura?

La respuesta nos la da el propio John Moravec, junto a su compañero Cristóbal Cobo, en esta lista de 19 características del knowmad.
  1. No está limitado a una edad determinada.
  2. Creativo, innovador, colaborativo y motivado (auto-motivado).
  3. Utiliza la información y genera conocimientos en diferentes contextos.
  4. Altamente inventivo, intuitivo, capaz de producir ideas.
  5. Capaz de crear sentido socialmente construido.
  6. No solo busca acceder a la información, procura utilizarla abierta y libremente.
  7. Creador de redes, siempre conectando a personas, ideas, organizaciones, etc.
  8. Capacidad para utilizar herramientas para resolver diferentes problemas.
  9. Alfabetizado digitalmente, comprende cómo y por qué funcionan las tecnologías digitales.
  10. Competencia para resolver problemas desconocidos en contextos diferentes.
  11. Aprende a compartir (sin límites geográficos).
  12. Es adaptable a diferentes contextos y entornos.
  13. Consciente del valor de liberar el acceso a la información.
  14. Atento a los contextos y a la adaptabilidad de la información.
  15. Capaz de desaprender rápidamente, sumando nuevas ideas.
  16. Competente para crear redes de conocimiento horizontales.
  17. Aprendizaje permanente y para toda la vida (formal-informal).
  18. Experimenta constantemente TIC (colaborativas).
  19. No teme el fracaso.
La lista está recopilada en un interesantísimo libro escrito por ellos titulado 'Aprendizaje Invisible' y que podréis leer de forma gratuita aquí. El libro os servirá de gran ayuda si queréis comprender cuales son las necesidades con las que se encontrarán las grandes organizaciones culturales, tanto españolas como foráneas, en los próximos años y cómo podemos convertirnos en unos nómadas del conocimiento muy apreciados por las empresas del sector. Lectura más que recomendada.



Pero, ¿por qué son interesantes los knowmad para las instituciones culturales?

El conocimiento se ha convertido en un recurso muy apreciado por las organizaciones, tanto públicas como privadas, ya que saber gestionarlo adecuadamente puede significar el estar o no a la vanguardia de la innovación en tu sector, y eso puede convertirse en su valor diferencial de la empresa.

En una sociedad abrumada por el exceso de información (sociedades intoxicadas), saber ordenar y gestionar el conocimiento es fundamental para cualquier organización y conseguir así, crear un nuevo conocimiento más actual y especializado. Por ello, cada vez más empresas apuestan por contratar a profesionales que hagan una buena gestión del conocimiento, adaptables a los nuevos procesos impuestos por los desarrollos tecnológicos y capaz de hilar la multitud de habilidades que les da su experiencia multidisciplinar.

Sin embargo, muchas instituciones culturales se encuentran constreñidas por recortes presupuestarios que les impiden poder contratar de forma permanente a profesionales altamente cualificados. Por esta razón, los knowmads son profesionales con un perfil muy interesante para las instituciones públicas, ya que pueden poner en marcha proyectos o iniciativas que una vez lanzados puedan funcionar por si solas, sin que ello represente una carga excesiva para el presupuesto de la institución.

Lo cierto es que los knowmads se convertirán en profesionales muy solicitados por las empresas en los próximos años. De hecho, como asegura uno de los nómadas del conocimiento más reconocidos, Frank Scipion en su blog 'lifestyle al cuadrado', "en el año 2020 el 45% de los trabajadores de Estados Unidos pertenecerán a este grupo de trabajadores" y os aseguro que el mundo del arte no será ajeno a este cambio.

La pregunta es, ¿estamos los profesionales del arte y la cultura preparados para gestionar nuestro propio conocimiento de forma eficiente y adaptable a los nuevos entornos profesionales?

jueves, 6 de julio de 2017

Las aventuras de un art dealer emergente (I)

Comenzamos hoy una colaboración basada en una serie de artículos escritos por Stephan van Kuyk que nos contará sus aventuras en el mundo del arte como comisario emergente.


Esto es algo que hace tiempo quiero hacer, una serie de historias de mis aventuras diarias como art dealer y consultant. Creo que tener una mirada desde atrás de las cortinas puede ser benéfico tanto para artistas y colegas dealers, el mundo del arte acostumbra ser muy secretivo y hermético, siempre creí que colaborar y compartir conocimientos son factores claves para el crecimiento sostenible en mi carrera a largo plazo. Además, generalmente soy un buen tío.

Antes de más nada, una corta introducción. Soy Stephan van Kuyk, comercializo arte hace 4 años, cuando fundé Azucar Magazine & Art Gallery como una plataforma para que artistas puedan exhibir y vender su arte. Siempre consideré que había muchas cosas erróneas en el mundo del arte y existe una necesidad de empezar a innovar. Los jugadores del mundo del arte vienen haciendo lo mismo hace mucho tiempo es momento de cambiar las cosas y encarar con nueva actitud.

En estos 4 años vengo empujando los límites de cómo una galería debería actuar, equilibrando en la cordillera entre lo online y offline. Por un lado, busco participar en ferias de arte y organizar exposiciones regularmente, por el otro lado invierto mucho tiempo y esfuerzo en generar tráfico y estrategia online, considero que esta dualidad es un aspecto clave de las galerías del siglo 21.

Ese soy yo, un art dealer emergente, intentando innovar.

Exhibición grupal con La Lucha

Hace un par de meses tuve la oportunidad de tener un espacio temporal de galería acá en Berlín, fue una fantástica oportunidad para una bienvenida pausa entre una muestra pop-up y otra, realmente enfocar en los aspectos curatoriales que me gustaría presentar.

Aunque me encante organizar pop-ups, consumen mucho tiempo y el ritmo puede ser agotador. El ir y volver de la locación, enviar arte, prensa, colgar la exhibición, imprimir el material y encargarse del evento en sí. Claro que muchos de estos aspectos no son exclusivos de muestras pop-up, pero al sumar estos elementos a encontrar un espacio para exhibir y los constantes viajes durante el periodo de organización, realmente consumen tiempo.

Entonces ahí estaba yo, literalmente en mi segundo día como galerista con espacio fijo, cuando entra alguien a la galería, pues no entraban muchas personas directamente a la galería. Además, rápidamente aprendí que las personas se sienten intimidadas en simplemente abrir la puerta y entrar a una galería. Véngale, el arte no muerde.

Al hablar un poco con mi nuevo visitante, me cuenta que ha vivido gran tiempo en buenos aires y que conocemos algunos artistas en común. Además, está por abrir un restaurante mexicano, La Lucha, con un espacio destinado a la exhibición de arte, arte mexicano, obviamente.


Esta era una excelente oportunidad para exhibir el trabajo de un artista con el cual había empezado a trabajar recientemente, Guillermo S. Quintana, recomendado por una colega Eva Moll, de la galería Art von Frei, quien consideró que el artista era ideal para mi galería.
Entonces aquí estoy yo, recién retornado de una feria de arte en Bruselas con un enorme bloque de obras, explicando a los empleados de La Lucha un poco sobre los artistas y sus obras, información importante en el caso de que algún comensal pregunte sobre alguna de las obras.

El dueño del restaurante quedó muy satisfecho con la selección de obras, incluso pidiéndome que expandiera el tamaño de la exhibición original, doblando el espacio designado para exponer arte. Una excelente oportunidad para exhibir aún más artistas. Tanto le gustó la exhibición que ya compró un par de obras, previa a su inauguración.

Entonces ahora necesito comprar más molduras y preparar material informativo e imprimir tarjetas informativas. La exhibición abre en 4 días y tengo que duplicar su tamaño original. No es un problema, me gustan los desafíos.

Creo que lo más importante a aprender de esta colaboración es siempre mantener los ojos abiertos, nunca sabes de dónde viene tu próxima oportunidad. Además, si trabajás duro y proporcionas obras de calidad, es muy probable que el cliente note tu ímpetu y buen gusto y decide duplicar el tamaño de la exhibición. Cuando eso pase, tendrás que actuar ágilmente para entregar el doble de arte.


Stephan van Kuyk es artista y comisario. Fundador de Azucar Magazine & Art Gallery trabaja y vive en Berlín desde hace más de dos años. Anteriormente ha vivido en Buenos Aires y Río de Janeiro.

Instagram: @stephan.vankuyk

jueves, 22 de junio de 2017

Nuevo Baztán acoge el SanFest, un festival donde la cultura y la diversión son los protagonistas

Ya sabéis lo mucho que nos gustan en Why On White las propuestas artísticas que nacen con poco apoyo institucional pero impulsadas por la pasión de sus organizadores. Por ello hoy queremos hablaros de Sanfest, que se celebrará del 14 al 16 de julio en Nuevo Baztán. 

Se trata de un proyecto nómada que toma como sede entornos de patrimonio histórico y que se organiza como si fuera un festival de música, solo que ampliándolo a un rango multidisciplinar en el que se mezclan diferentes disciplinas artísticas –artes plásticas, vídeo-arte, danza/performance, música, teatro, literatura/poesía o cine– con el objetivo de crear arte y acercarlo a un público curioso de una forma lúdica y accesible.

La finalidad última del festival es revitalizar lugares de patrimonio histórico poniendo de manifiesto su interés cultural a través de la transformación del espacio mediante la intervención artística, pero teniendo siempre al público como protagonista e invitando a participar y a improvisar. Y para ello parten de la base de que la diversión es fundamental a la hora de difundir la cultura.

Tras dos años celebrando el festival en el Monasterio de Monsalud, Guadalajara, en esta ocasión, la localización escogida es el bonito entorno de Nuevo Baztán. Para los que no seáis madrileños y no lo conozcáis, os contaremos que Nuevo Baztán es en la actualidad un municipio a las afueras de Madrid, pero su construcción se debe a un planteamiento experimental llegado a España con los borbones y puesto en práctica por el ministro Juan de Goyeneche por el que se crearía una fábrica de vidrio alrededor de la cual vivirían los propios trabajadores y se crearía una comunidad propia. El experimento no resultó rentable por lo que el poblado industrial y su núcleo palaciego fueron abandonados. Sin embargo, y debido a su interés artístico, Nuevo Baztán fue recuperado y declarado Monumento Histórico Artístico en 1941 y en la actualidad alberga varios centros residenciales a parte de un centro histórico, joya del barroco, de gran interés artístico.

En fin, una forma divertida y atractiva de acercarse a diferentes ámbitos de la cultura y la expresión artística a la vez que disfrutamos de nuestro muy rico patrimonio histórico.

Podéis comprar vuestras entradas para SanFest2017 aquí.

viernes, 16 de junio de 2017

El patrimonio intangible del arte chino. Maestros de la creación

Como sabéis, si sois seguidores de nuestro blog, no es muy habitual que en España podamos disfrutar de exposiciones de arte chino, por eso en WoW estamos de enhorabuena, ya que acaba de inaugurase en el Centro de Arte Complutense (C Arte C) una exposición dedicada íntegramente a la tradición artística de China.

Desde hace más de 2.000 años, la llamada Ruta de la Seda, viene uniendo China con Europa Occidental. La ruta no solo ha servido para favorecer el intercambio comercial, sino también como canal de transmisión de conocimiento y cultura. Ahora, el gobierno chino, toma como inspiración la Ruta de la Seda para impulsar una estrategia de intercambio cultural y comercial entre China y España. Para ello la asociación Centro de Cultura & Arte China-Occidente (CCACO) ha organizado las III Jornadas China - España en colaboración con las Universidades Complutense y Politécnica de Madrid en las que participarán setenta invitados chinos, la mayoría creadores, profesores universitarios de historia del arte y bellas artes, y gestores culturales.

Es en este contexto, en el que se enmarca la exposición "El patrimonio intangible del arte chino. Maestros de la creación" que podrá visitarse hasta el 9 de julio. En la exposición se muestran 400 obras de más de cien artistas chinos con las que se establece un diálogo entre la tradición milenaria y la contemporaneidad artística del país asiático. 

Además, dentro de las jornadas y adscrita a la exposición principal, podrá disfrutarse de la muestra "Elegancia, Vida y Naturaleza" nacida del intercambio cultural entre las artistas Jing Gu y Marta Chirino. 


El patrimonio intangible del arte chino. Maestros de la creación
Hasta el 9 de julio
Centro de Arte Complutense (C Arte C)

jueves, 15 de junio de 2017

El Ministerio de Cultura promociona el arte español en China

Dibujo de Ricard Chiang
El Ministerio de Educación, Cultura y Deporte de España se ha lanzado por segundo año consecutivo a promocionar la obra de diversos artistas plásticos en China a través de diversas exposiciones y actividades que tendrán lugar entre junio y septiembre de este 2017. A continuación os contamos las principales actividades de esta iniciativa.

La colección de Alicia Aza en el CAFA

Esta iniciativa arrancó en los últimos días de mayo con la proyección de varios videos de la colección de videoarte de Alicia Aza, una de las mayores coleccionistas de videoarte de nuestro país. Las proyecciones tuvieron lugar en la Academia Central de Bellas Artes de China (CAFA), quien ha organizado el evento conjuntamente con el ministerio español. 

Alicia Aza, abogada y poeta, es una de las pocas mujeres españolas que ha creado su propia colección de arte contemporáneo. Basada principalmente en fotografía y videoarte, la colección Aza se ha especializado en temas de género y feminismo.

HK Monsters en el Hong Kong Art Center

Así mismo el Hong Kong Art Center mostrará el trabajo en técnica mixta de dibujo y comic del colectivo Chiang.shop, liderado por el artista español Ricard Chiang. Chiang, del que ya os hemos hablado en alguna ocasión, es un artista afincado en Baleares, aunque su padre es chino y su madre española.

La exposición se titula Hk Monster y reflexiona sobre el papel del cómic en la historia del arte, tomando como protagonista al personaje de "El Monstruo" tan popular en la mayoría de las historias que se representan con esta técnica. Ademas la exposición cuenta con diferentes talleres orientados a los jóvenes que quieran adentrarse en esta técnica. De hecho, el pasado 16 de mayo el propio Chiang impartióun taller donde los participantes podían crear un propio monstruo.

Santiago Ydañez en White Box

White Box es uno de los principales espacios expositivos de los muchos que conviven en el archi-famoso 798 de Beijing. Construida en la década de los 50 por ingenieros alemanes al estilo de la Bauhaus, se ha convertido en un referente dentro del 798. Con motivo de la Beijing Gallery Week 2017, White Box inaugurara el próximo 15 de julio un nuevo espacio dedicado a mostrar el trabajo de artistas internacionales y el elegido para la primera muestra ha sido Santiago Ydañez.

La exposición, organizada en conjunto con la Secretaría de Estado de Cultura, durará un mes y se acompañará por una mesa redonda en la que participará el artista andaluz junto con artistas chinos; un encuentro de profesionales de museos y de la industria cultural china, comisarios y coleccionistas locales; y una visita oficial que inaugurará la sala y congregará a la prensa y personalidades de la sociedad china.

La pintura de Ydañez se caracteriza por sus potentes retratos, normalmente en gran formato, que buscan emocionar al espectador con miradas duras y colores planos.

Madrid Interior de Asier Rua

Del 3 al 25 de junio se presenta en el Centro de Arte Yishu8 de Beijing la primera exposición individual de Asier Rua en China titulada "Madrid Interior" en la que el artista crea una imagen muy personal de Madrid a través de las imágenes de los interiores de diversos hogares madrileños.

Madrid Interior comenzó siendo un proyecto muy personal de Rua que hace siete años comenzó a retratar la ciudad hasta convertir el proyecto en un proyecto artístico riguroso y coherente en el que el color y la composición nos conducen a través de los espacios de Madrid más íntimos y desconocidos, aquellos que se encuentran más allá de las fachadas: los interiores.

Las 93 fotografías seleccionadas por el artista para el proyecto recogen espacios de todo tipo. Se pueden encontrar edificios públicos, como el Casino de Madrid de Jaime Hayón, el Florida Park o la Filmoteca Española; espacios privados o proyectados por creadores para los que el color es una seña de identidad, como las casas Ouka Lele, Ágata Ruiz de la Prada y Pepe Leal, las tiendas de Lorenzo Castillo y Guille García-Hoz, o proyectos de los arquitectos Izaskun Chinchilla, Andrés Jaque o Teresa Sapey. Pero además también se incluyen los hogares y espacios de madrileños anónimos.

La exposición ha sido comisariada por nuestra amiga Susana Sanz, comisaria, crítica de arte y experta en arte chino contemporáneo que vive y trabaja a caballo entre Madrid y Beijing.



jueves, 18 de mayo de 2017

Las mejores actividades para disfrutar del Día Internacional de los Museos en Madrid

Fotografía de Igor Miske

Hoy, 18 de mayo, se celebra el día internacional de los museos y en Why On White queremos ofreceros una selección de las actividades que nos han parecido más interesantes dentro de la programación ofrecida para la ocasión por los museos madrileños.

Así que, si tienes la suerte de estar estos días en la capital, hazte un buen plan y ponte zapatillas cómodas porque te espera un auténtico maratón de exposiciones, conciertos, teatro y multitud de actividades extraordinarias.

Museo del Prado

Paseo Prado s/n. <M> Colón
Entrada libre y concierto 'El piano de Austria a España'  (precio 10€)
Más información aquí


Museo Reina Sofía

Calle de Santa Isabel, 52. <M> Atocha
Entrada librevisitas comentadas y ampliación de horario especial hasta las 24h. Visita al área de conservación-restauración del museo. Programación especial en directo de Radio 3 desde el 
patio Nouvel con actuaciones de artistas en directo. A partir de las 21:00h sesiones DJ’s.
Más información aquí

Museo Thyssen

Paseo Prado, 8. <M> Atocha y Banco de España.
Entrada libre a la colección permanente  y a las temporales: Obras maestras de Budapest y Rafael Moneo. Hasta el domingo 21, gracias a una instalación situada en el jardín del museo, podrás “entrar” en algunos cuadros como Retrato de familia, de Frans Hals, el Joven caballero, de Carpaccio, El sueño, de Franz Marc, o Habitación de hotel, de Edward Hopper 
y fotografiarte en ellos. Además, podrás compartirlo con el hashtag #entrarenelcuadro.
Más información aquí

Real Academia de Bellas Artes de San Fernando

Calle de Alcalá, 13. <M> Sol
Actividades de carácter musical y didáctico, todas ellas con acceso libre y gratuito, además de la visita guiada a colecciones específicas de los fondos del Museo.
Más información aquí

Museo Sorolla

Paseo del General Martínez Campos, 37. <M> Gregorio Marañón
Entrada libre a la colección permanente.

Museo de Artes Decorativas

Calle de Montalbán, 12. <M> Banco de España y Retiro
Entrada libre  y un "incómodo" juego de pistas sobres historias controvertidas el sábado por las noche.
Más información aquí

Museo del Romanticismo

Calle San Mateo, 13. <M> Tribunal
Entrada libre y visitas guiadas al museo. El sábado 20 tendrá lugar una representación de teatro en las salas del museo titulada "Una velada romántica".

Más información aquí

Museo Lázaro Galdiano

Calle Serrano, 122. <M> Rubén Darío o Núñez de Balboa
Entrada libre  a la colección permanente y a la temporal “Generaciones en juego”. Además de un concierto el 20 de mayo a las 12h en el salón de baile del museo.

Más información aquí

Museo Cerralbo

Calle Ventura Rodríguez, 17. <M> Plaza España
Entrada libre y apertura extraordinaria hasta las 20h.


Fundación Mapfre

Sala Recoletos: Paseo de Recoletos 23 <M> Colón
Sala Bárbara de Braganza: Bárbara de Braganza 13. <M> Colón
Entrada gratuita tanto a las exposiciones temporales como a la permanente, Espacio Miró, en todas sus sedes (Barcelona y Madrid).
Más información aquí

CaixaForum

Paseo del Prado, 36. <M> Atocha
Entrada libre durante todo el día, visitas guiadas y conciertos.

Más información aquí


*Os recordamos que las colecciones permanentes de estos museos son gratuitas durante todo el año.