sábado, 25 de febrero de 2017

Entrevista a José Antonio Vallejo: en ARCO el entusiasmo es la tónica general

Si ayer era el director de un festival el que nos contaba su experiencia en la Semana del Arte, hoy queremos que sea un artistas participante en ARCO, el que nos exponga su punto de vista sobre esta feria y sobre la experiencia artística en general. Hablamos de José Antonio Vallejo, un artista que a través de sus dibujos crea un mundo onírico y personal sobre experiencias tan íntimas como el amor o el sexo.

¿Después de todos estos años trabajando, como valoras tu experiencia como artista?

Poder realizar mi primera individual cuando estaba aún cursando el Máster en creación e investigación de la UCM me hizo poder darme cuenta muy pronto de lo complejo que resulta el mundo del arte. Desde 2009 mucho he evolucionado tanto en el dibujo como en experiencias ya en ferias como Estampa, Hybrid… Y este año pudiendo colaborar con ABC en su stand de Arco. Todos los pasos que he dado en esta carrera han sido pequeños pero firmes y el camino aún es largo por recorrer, pero me siento con más ganas que nunca.

¿En qué se diferencia tu trabajo de otros artistas de tu generación?

Siento que pertenezco a una generación con características comunes. Una muy importante fue la infancia dorada que vivimos y que se ha traicionado con la crisis. Eso ha provocado un discurso común en algunos de nosotros, quizá en otros autores más presente, mediante el cual ponemos de manifiesto un poco esa sensación de robo y de promesas incumplidas. En mis dibujos los personajes se relacionan a partir de un entorno aparentemente festivo pero en el que parece que o bien ha sucedido algo trágico para alguno de ellos o la incertidumbre de que eso se produzca sobrevuela la escena. Luego también hemos sido una generación en la que algunos hemos optado por ser muy respetuosos con la técnica y el dibujo es muy fácil amarlo porque es sincero y da mucho por nada. Haciendo Bellas Artes hice muchas asignaturas de grabado y aprendí mucho sobre la composición de la imagen, sobre limpieza en forma y fondo. Si algo diferencia a mi trabajo de otros supongo que finalmente es la especie de historia interminable que estoy formando y que pese a materializarse a través de los lapiceros principalmente, se nos presenta en ocasiones interdisciplinar ya sea completada con instalaciones, esculturas 3d o performance.

¿Quiénes son esos personajes tan interesantes que aparecen en tus obras? 

Ahora estamos por aquí tres principalmente: Oso de peluche, Marioneta y Muñeco Hinchable. Oso fue el primero y se encarga de mi parte más amorosa, Marioneta vino después y habla sobre el dejarse llevar por los demás, las opiniones o los juegos entre palabras e imagen y Muñeco Hinchable ha sido la última incorporación, se encarga de la sexualidad pero aparentemente de forma naif, loca e inestable… Todos ellos parten de autorretratos, fotografías que me tomo y luego transformo en siluetas. Me sirvieron mucho para poder hablar de mí mismo sin exponerme de forma incómoda, eran un filtro ideal para dibujar una especie de diario pero ahora están empezando a tomar la palabra y vivir una vida dentro de su universo.

¿Cuáles son los principales temas sobre los que gira tu trabajo?

El amor es el tema principal. También la muerte, el engaño, la inocencia… Supongo que soy una persona romántica.

¿En qué consiste tu intervención en ARCO?

Arco ha supuesto enfrentarme a realizar mi dibujo no sobre el papel que uso, sino sobre una pared y adaptar el formato ha sido costoso pero ha merecido la pena. He realizado un pequeño fragmente abierto de bosque en el cual mis personajes deambulan y que se abre a la intervención de mis compañeros.

¿Con quién más estas trabajando en ARCO?

Allí físicamente en los laterales tengo a Ana Barriga y Manuel Antonio Domínguez. Tenerlos tan cerca me ha demostrado lo buenos profesionales que son y su forma de trabajar tan abierta generó enseguida diálogo. Tenemos a Rafael Jiménez, Miguel Ángel Fúnez, Estefanía Martín Sáenz, Javier Conde, Fran Ramírez, Olga de Dios y Federico Sposato. He coincidido allí con la mayoría y el entusiasmo es la tónica general.

Y el fin de semana en Hybrid, ¿verdad?

Si, con Veo Arte en todas partes nos organizamos genial, tenemos una relación muy estrecha, y una amistad que hace que los proyectos salgan solos. Las ideas de Nuria son increíbles, es una perfecta narradora y transmite fervientemente el arte a sus seguidores. Con todo eso es fácil decirle siempre que sí a cualquier locura.

Hybrid es muy diferente de Arco, la gente va buscando cosas más accesibles y pasar un buen rato, pero eso a mí también me atrae. Hay un público no profesionalizado al que se le debe atraer al arte y demostrarle que hay piezas asequibles de las que te puedes enamorar y llevarte a casa con un sueldo mileurista.

¿Cuáles son tus próximos proyectos?

Está siendo un comienzo de año tan bueno que me da vértigo mirar hacia delante. Quisiera que la semana no acabase nunca porque hay mucho agotamiento pero también muchas alegrías. Próximamente habrá más colaboraciones con Veo Arte por supuesto y también con el proyecto online de David Delgado DDR Art Gallery. Con respecto a mi obra quiero explorar formatos que sólo he rozado, la instalación y el vídeo sobre todo. Estas etapas donde te empiezas a sentir a gusto con lo que haces hay que temerlas y darte un pequeño giro, salir de la zona de confort y ver qué sucede. Mi proyecto más importante como artista es en definitiva seguir creciendo tan bien acompañado como hasta ahora.



viernes, 24 de febrero de 2017

Entrevista Jorge de la Cruz "No queremos que un importante sector artístico quede olvidado"

Ester Izquierdo, Jorge de la Cruz y María Palomo
en la inauguración de FranqueasdosJustMad
En una semana tan trepidante en el ámbito artístico como es esta, no es fácil encontrar al director de un festival dispuesto a detenerse durante un rato y hablar tranquilamente sobre arte. Sin embargo, en Why On White hemos tenido la suerte de robarle unos minutos a Jorge de la Cruz, director de Franqueados, para que nos cuenta de primera mano cual es la experiencia de un gestor cultural con amplia experiencia, nos hable de la acumulación de propuestas artísticas en tan solo una semana y nos explique qué novedades nos ofrece Franqueados en su quinta edición.

¿Cómo valoras tu experiencia al frente de Franqueados después cinco ediciones?

Franqueados es como una semilla que de edición en edición ha ido creciendo y perfeccionándose hasta lograr un gran festival como el que podemos apreciar durante estos días, un festival lleno de detalles y actividades que afronta y resuelve retos complicados con soltura y creatividad. Estar al frente de Franqueados es trepidante, se habla con muchísima gente, se aprende sin parar y se consiguen resultados que te hacen sentir muy orgulloso.



¿En qué se diferencia Franqueados del resto de ferias que se celebran estos días?

Principalmente en que Franqueados no es una feria sino un festival, desde la primera edición nos hemos esforzado en matizar esta importante diferencia, pero al final la gente las confunde, olvidando que la intención primaria de una feria es la venta, mientras que la de un festival es el intercambio de ideas. Franqueados existe para llevar a la calle, y con ello al público global, las últimas fórmulas de creación por parte de artistas nuevos o emergentes. Situar en un espacio público un tipo de arte al que la gente no está acostumbrado y que sin embargo representa los intereses de muchos artistas. Otro valor importante en Franqueados es nuestro esfuerzo por convertir la participación en una experiencia rica y fructífera para nuestros artistas. Franqueados no es una mera exposición, sino una serie de talleres, reuniones, retos y conferencias que le permitan al artista reflexionar sobre la maduración de sus trabajos y sus herramientas de cara a una auténtica profesionalización.

¿Cuáles son sus principales apuestas?

Las principales apuestas de Franqueados son la calidad en las obras, la cercanía con el público y la coherencia con las que creemos son prácticas dignas para el arte y los artistas. 

¿No hay una sobredosis de arte en tan solo una semana?

Hay una gran sobredosis de ferias en una semana y esa es la razón de ser de Franqueados. No queremos que un importante sector artístico quede olvidado en unas fechas que se pronuncian como la semana del arte en Madrid. Desde La Casa Franca nos sentimos obligados ha realizar esta tarea en pro de una apertura artística, tanto con los artistas como con el público.



¿Cuáles son las principales novedades de este año?

Las principales novedades son las colaboraciones. Hemos forjado vínculos fuertes con el vino de rioja Campo Viejo (patrocinador oficial) y con la feria de arte JustMad con quien compartimos nombre. Estos lazos han propiciado un festival lleno de novedades y locuras, como la colocación de cuatro contenedores marítimos transformados, por seis días, en galerías efímeras en el centro de Madrid.

¿A qué tipo de público va dirigido Franqueados?

Franqueados está dirigido a todo aquel que sienta curiosidad, a todo el que quiera preguntar o pararse un instante frente a la obra de un escaparate que le ha impactado. Se descubren reacciones fascinantes cuando actúas con buena fe hacia el espectador y descubres interés, emoción e incluso un incipiente afán coleccionista. Nuestro público es gente con mente abierta y ganas de propuestas creativas.

¿Crees que Franqueados ha alcanzado su techo de crecimiento?

Para nada, llevamos cinco años consecutivos de Franqueados y la sensación en el equipo es que esto no ha hecho más que empezar.


jueves, 23 de febrero de 2017

¿Dónde encontrarnos en la Semana del Arte en Madrid?

La propuesta de la milanesa Don Gallery en Urvanity
Ni siquiera se trata de una semana: La mayoría de las propuestas duran como máximo cinco días –la mayoría menos– y algunas son efímeras, pero en esos pocos días que dura la Semana del Arte en Madrid se concentra la mayor cantidad de exposiciones, eventos, performances, talleres y un infinito etcétera, de todo el año. En conjunto, todas estas actividades demuestran lo que en Why On White hemos defendido siempre, que la cultura, en general, y el arte, en particular, están viviendo una edad de oro en Madrid. Quizá sea porque la crisis nos ha agudizado el ingenio para crear nuevos proyectos de comercialización o porque ha mejorado el espíritu creador de nuestros jóvenes artistas, lo cierto es que prácticamente todos los meses tenemos nuevas ferias, se abren galerías, centros de creación y aparecen cada vez más y mejores artistas y muchas de esas actividades tienen lugar en estos días.

Por eso hemos hecho una selección de lo que, a nuestro siempre subjetivo juicio, es lo más interesante, divertido, original, importante o simplemente curioso de lo que se mostrará en estos días en Madrid: Una selección de sitios donde podéis encontrarnos si os pasáis por la capital del 21 al 26 de febrero.



ARCO: Del 21 al 26 de febrero en IFEMA

Intervención de Jose Antonio Vallejo en ARCO
Por supuesto, el lugar por el que siempre hay que dejarse ver y donde podremos encontrar las propuestas más relevantes del mercado contemporáneo español, así como las propuestas internacionales más importantes. Elegir entre una oferta tan enorme y variada de galerías, eventos, charlas, etcétera, es muy complicado y os aconsejamos que, para no perder tiempo, llevéis decidido de antemano qué queréis ver. Para ello os dejamos el enlace al programa de la feria aquí. Por nuestra parte, estas son las principales propuestas por las que nos dejaremos caer para disfrutar de propuestas grandes y pequeñas, pero todas ellas muy interesantes.

Este año, como en los anteriores, el arte latinoamericano vuelve a tener un gran peso en ARCO, demostrando la salud y calidad de la que goza el arte del continente, y en WoW estamos deseando ver las propuestas que nos llegan desde el país invitado de este año, Argentina, que se presenta con 12 galerías.

Por supuesto nos pasaremos por el stand de ABC donde por primera vez se expone, en ARCO, la obra de nuestro amigo José Antonio Vallejo de la mano del comisario Javier Díaz Guardiola.

Como punto de visita imprescindible en esta edición del 2017, os recomendamos la Galería Lisson, que nos trae el trabajo de algunos de nuestros artistas asiáticos favoritos como el chino Ai Weiwei y el británico de origen indio Anish Kapoor.

Y, aunque solo sea para cotillear, nos pasaremos también por la galería Leandro Navarro que presenta la pieza más cara de todala feria. Un Dalí de 1941 titulado El Triunfo de Nautilus, a la venta por tan solo 1.4 millones de euros.

"Descending Ligths" de Ai Weiwei


Hybrid: Del 24 al 26 de febrero en el hotel Petit Palace Santa Bárbara

Todos conocimos a Hybrid en septiembre del año pasado como un festival de espacios de arte alternativos en Madrid. Con motivo de la Semana del Arte, han decidido transformar su proyecto en feria internacional de arte emergente y, siendo fieles a su filosofía de utilizar espacios "diferentes", han tenido la original e innovadora idea de organizarla en... ¡un hotel! En concreto, en el Petit Palace de Santa Bárbara.

Lo cierto es que Hybrid ofrecerá alguna de las actividades que más nos han llamado la atención y a las que, sin duda, no faltaremos. Comenzando por la propuesta de la galería berlinesa Azúcar que mostrará los trabajos de Pedro de Matteis, Jorge Araldi, Mr. Teko y PseudoCromático, además de la obra de nuestra siempre admirada Irene Cruz.

Pero en Hybrid estarán también muchos otros buenos amigos, como el colectivo Intraneus, del que forman parte Leila Amat, Alba Cosz, David Catá y Juan Yuste. Así que, seguramente, nos pasaremos un buen rato en su stand.

"Cenizas" de David Catá
Juan Yuste en Hybrid

Urvanity: Del 23 al 26 de febrero de 2017 en el Palacio de Neptuno

"Every time I make love to you I think
 of someone else" Banksy
Una nueva feria que viene a sumarse a la Semana del Arte bajo la idea de “Primera Feria de Nuevo Arte Contemporáneo en España”. Y para ello cuentan con la presencia de 17 galerías, 12 de ellas internacionales, especializadas en arte urbano y con artistas de la talla de D*Face, JonOne, Jef Aerosol, Fin DAC y Moses & Taps.​

Dentro de Urvanity, lo que más nos ha llamado la atención, y que no nos podemos perder, es la muestra del artista más enigmático del panorama artístico actual: Banksy, en el espacio de la galería holandesa Vroom&Varossieau que exhibe un conjunto de 6 obras, entre ellas Every time I make love to you I think of someone else y Cheeky Monkey.

Tampoco nos perderemos las Urvanity - Mahou talks, una serie de conferencias, debates y presentaciones acerca de la creación contemporánea cuyo fundamento es el contexto urbano. Las charlas son presenciales, pero también pueden seguirse en streaming aquí.


ArtMadrid: Del 21 al 26 de febrero en el Galería de Cristal de CentroCentro

“Evaporating. Continuing the life journey
 of air and water” Chen Yun

Una de nuestras ferias favoritas y de las más consolidadas. Todo un clásico que, con gran acierto, se celebra desde hace unos pocos años en el pabellón de cristal de CentroCentro Cibeles. Menos pretenciosa que ARCO, se trata de una feria en la que poder adquirir obras de grandes marcas como Tapies, pero a un precio más reducido.

ArtMadrid ofrece un ambiente más distendido, con una zona de descanso muy agradable y un tamaño fácilmente caminable. Todo ello hace de esta feria el lugar ideal para pasear y encontrarte con amigos con los que charlar animadamente sobre arte.

Además, este año, ArtMadrid es la feria que nos regala una mayor presencia de arte asiático, gracias a la galería Yiri Arts, que ya ha estado presente en otras ediciones de la feria. En esta ocasión la galería taiwanesa, que cuenta con espacios propios en Taipei y Taichung, nos presenta el trabajo de dos artistas taiwaneses como Chen Yun y Wang Guanjhen, además de la obra de la catalana Mónica Subidé, que ha expuesto ampliamente en Asia gracias a su relación con esta galería.


Nosotros personalmente estaremos allí el jueves de 19 a 19:30 para poder disfrutar de la performance que llevará a cabo nuestra amiga Irene Cruz, invitada junto con su musa Martyna Poczatek.

Atentos a nuestro Instagram, porque subiremos fotos.

 "Everydayness at risk of extinction", Mónica Subidé, 2016

Drawing Rooms: : Del 22 al 26 de Febrero en Calle Velázquez, 12

Esta es la segunda edición de esta feria dedicada en exclusiva al dibujo contemporáneo, lo que demuestra que es una técnica que está muy en auge en nuestro mercado. Drawing Rooms se ubica en pleno barrio de Salamanca, y en ella participan más de 20 galerías especializadas en dibujo contemporáneo e ilustración, cuatro de ellas dentro de su programa Italia.


Por nuestra parte nos encantará ver la obra de Kepa Garraza que estará presente gracias a la galería ATM de Gijón.




Sobredosis: del 20 de febrero al 17 de marzo en La Quinta del Sordo

Esta es una de esas propuestas que nos encantan y de la que ya os hemos hablado en otras ocasiones. Esta vez, Sobredosis está dedicado a la sobreexposición informativa de la que somos víctimas por culpa del desarrollo de internet.

Para ello han invitado a casi 30 artistas, que a través de diferentes disciplinas creativas, reflexionan sobre los excesos en las redes sociales y hasta qué punto somos capaces de asimilar la ingente cantidad de información que nos proporcionan. Cuestiones como el uso adecuado de las redes, la popularidad que nos proporcionan o la perdida de intimidad que nos generan serán planteadas en esta exposición.

Sobredosis es una iniciativa creada por la encantadora Adriana Berges y sus compañeras Laura Tabarés  y Raquel Moraleja. El proyecto nació en febrero de 2015 basado sencillamente en la sobredosis de cualquier medio de información. Debido a su éxito y buena acogida se repitió en febrero 2016 enfocando el tema a la sobredosis de arte en la semana del arte contemporáneo en Madrid durante dicho mes.


#Sobredosis2017 se celebrará en La Quinta del Sordo (C/ Rosario 17), uno de nuestros nuevos espacios favoritos en la capital y por el que nos vais a ver muy a menudo.

Ramiro Iriñiz

#FranqueadosJustMad: del 17 al 28 de febrero en las calles de Madrid

De Franqueados ya os hemos hablado anteriormente, y este año no va a ser diferente porque es una de las ferias que nos parecen más interesantes y originales. Durante casi dos semanas, esta feria/festival se apodera de la ciudad para convertirla en una enorme galería de arte. Durante estos días han colocado en la vía pública 4 contenedores transformados en salas de arte efímeras, cinco artistas urbanos pintando en directo, 26 artistas nacionales e internacionales exponiendo en los escaparates de 26 comercios, performances, charlas en el COAM con JUSTMAD y concurso de fotos.


Así que también nos veréis mucho en las calles y por supuesto, en los bares, aunque en estos últimos no es necesario que haya arte.

Intervención dentro de un contenedor colocado en la calle
Uno de los escaparates de un comercio madrileño convertido en espacio expositivo

miércoles, 15 de febrero de 2017

Mujeres Mirando Mujeres llega a su III edición


Los que no conozcáis Mujeres Mirando Mujeres (MMM) es porque no os leísteis el artículo que publicamos sobre este proyecto hace ahora casi un año. ¡Absolutamente imperdonable!

Sin embargo, y debido a al gran interés de esta iniciativa, vamos a daros una segunda oportunidad para conocer la propuesta que nos presentan las compañeras de Arte a un Click.

Mujeres Mirando Mujeres es un proyecto creado en 2015 con el objetivo de visibilizar el trabajo de las mujeres en el mundo del arte. Tomando como referencia el 8 de marzo, día internacional de la mujer, 80 profesionales del mundo del arte reivindicarán el papel de la mujer en el ámbito artístico.

Artistas, gestoras, conservadoras, blogueras y agentes del arte que trabajan y luchan por abrirse camino en un sector que históricamente ha estado dominado por los hombres. Un proyecto, que necesita de mujeres excepcionales para poder crecer, mujeres que cada día luchan por visibilizar el trabajo de las artistas.

En conversación con Mila Abadía, creadora del proyecto, nos comenta que "lamentablemente este tipo de iniciativas siguen siendo necesarias. Desde muy jovencita he tenido claro cuál es el lugar que le corresponde a la mujer en el mundo. Conforme me adentraba en el mundo del arte más claro me quedaba que la mujer era ninguneada continuamente. De poco valía que quienes componen este mundo fueran cultos, inteligentes y estuvieran sobradamente preparados, la falta de igualdad era patente, cosa que todavía me parece más aberrante. ¿De qué sirve el acceso a la cultura si es un acceso sesgado por un corte patriarcal?"

"Yo soy muy de hacer," -continúa explicándonos Mila- "seguramente no soy la persona más adecuada, y desde luego no soy la más preparada ni la más culta, pero bueno, a veces hay que suplir con entusiasmo tus carencias y permitir que la necesidad conforme la realidad; también hay que saber rodearse de excelencia y eso creo que lo he hecho muy bien, basta ver el equipo de MMM y todas las grandes colaboradoras que participan, a todas estoy enormemente agradecida, y siento un gran orgullo por tenerlas cerca. Ya sabes #OrgulloMMM"

El proyecto se articula alrededor de cuatro iniciativas. Presentaciones de artistas realizadas por comisarias, galeristas, directoras de ferias de arte y espacios culturales; entrevistas a artistas realizadas por blogueras especializadas en Arte; programa de formación a través de cursos y workshops a cargo de artistas y gestoras; y por último, y como novedad en esta edición, un programa al que han llamado 'proyectos invitados' que consisten en iniciativas gestionadas y/o comisariadas por gestoras culturales, siempre orientados a implementar acciones de carácter colectivo.

Claudia Frau. Fotografía intervenida con hilos
Este año la presentación de artistas corre a cargo de Adriana Pazos Ottón (Directora del Espacio de Arte Contemporáneo OLA-LAB Acción Cultural), Alonso y Marful (Equipo de artistas y Gestoras culturales), Ana Sanfrutos (Comisaria independiente), Anxela Caramés (Comisaria independiente, agente cultural y crítica de arte), Araceli Corbo (Centro de Documentación del MUSAC. Comisaria), Asunta Rodríguez (Directora de la Galería Trinta), Bárbara Vidal Munera (Miembro Fundador de El Pez Globo), Carmen Dalmau Bejarano (Directora de la Galería Cero), Carmen Quijano (Comisaria independiente), Encarnación Lago González (Gerente de la Rede Museística Provincial de Lugo), Emma Trinidad (Comisaria independiente), Isabel Lázaro (Directora de la Galería Art Deal Project y de la Feria de Fotografía Art Photo Bcn), Maite Sánchez Urueña (Presidenta de ADOS y Gestora de Est_Art), María Marco Covelo (Crítica, investigadora, coleccionista y comisaria de arte contemporáneo), Marta Álvarez Guillén (Investigadora, gestora cultural y comisaria independiente), Nati Grund (Directora del Festival VideoArte berlinés Pop Up Kino OK y Comisaria Jefa de Virtual Gallery), Nerea Ubieto (Comisaria independiente), Olga Isla (Artista visual freelance y comisaria independiente), Patricia Acal (Directora de la Galería Patricia Acal), Susana Carro Fernández (Artista, investigadora y escritora del pensamientofeminista), Silvia Blanco Iglesias (Directora del Museo MARCA de Cacabelos), Oliva Cachafeiro Bernal (Coordinadora de Actividades culturales del Museo de Arte Africano Arellano Alonso de la Universidad de Valladolid), Paula Cabaleiro (Comisaria independiente, actualmente directora de exposiciones en la Fundación Florencio de la Fuente), Vanessa H. Sánchez (Directora de la Galería Silvestre) y Verónica Moreno (Codirectora de Lamosa Lab).

Por su parte las entrevistas a artistas serán realizadas por Cristina Fernández Cresppo (Kippel), Doll Ida (Nuncalosabre), Laura Franganillo Lobato (LABARTBLOG), Maria Regina Pérez Castillo (Colaboradora en plataforma PAC), Mercedes Palaín (Arte a un Click), Mila Abadía (Arte a un Click), Montaña Hurtado (Zapatos Rosas), Naiara Valdano (Art Gossips), Natalia Alonso Arduenco (Con el Arte en los Talones), Raquel Moraleja (Lir Ar Co) y Teresa Miquel (Impressions du monde).

Además en Why On White estamos muy orgullosos de haber sido seleccionados como Media Partners en esta edición de Mujeres Mirando Mujeres junto a medios tan potentes como Art Gossips, Contemporaneidades, Duckout Magazine, Impressions du Monde, La Ventana del Arte, Lit Ar Co, Musas20, Nuncalosabre, PAC y Labartblog.


Claudia Frau. Esculturas efímeras

Leila Amat. Sonaba la música

Elisa Rossi. Limine composizione generale
Berta Delgado LRM PERFORMANCE - LOCUS Kowloon

martes, 14 de febrero de 2017

Juan Carlos Toro retrata a los vecino de Usera

En las últimas semanas os hemos hablado en varias ocasiones sobre el Año Nuevo Chino, algunos diríais que hasta la saciedad, pero lo cierto es que este año estamos asistiendo a una gran variedad de eventos artísticos y culturales con motivo de esta festividad, y en WoW no queremos dejar de recomendaros las más interesantes.

En esta ocasión queremos hablaros de una intervención que se está realizando en el barrio de Usera, un barrio muy popular de Madrid que concentra la mayor comunidad china de toda España y donde el pasado 28 de enero se llevaron a cabo las principales celebraciones del Año Nuevo Chino.

Se trata de un proyecto artístico del fotógrafo Juan Carlos Toro (Jerez 1979) en el que ha convertido las fachadas de diversos edificios en gigantes murales en los que retratar los vecinos del barrio. Las principales instalaciones estarán en el edificio de la junta en la calle Marcelo Usera.

Se trata de cuatro intervenciones en las que ha empapelado cuatro fachadas con sus populares retratos gigantes en blanco y negro que le dieran fama en otras ciudades como Jerez con motivo del festival flamenco, solo que en esta ocasión los representados son vecinos de Usera celebrando el año del gallo de fuego. En tres de los cuatro retratos los representados son vecinos de origen chino como el dueño de un casino, una anciana cantante de ópera china junto a su bisnieta y una niña pequeña. El último de los murales representa a una joven estudiante vecina del barrio de toda la vida. 

Podéis consultar el resto de programa de actividades para el Año Nuevo Chino del Ayuntamiento de Madrid aquí.



lunes, 13 de febrero de 2017

Los orígenes míticos del Año Nuevo Chino en La Quinta del Sordo


En Why On White ya os hemos hablado en varias ocasiones sobre al Año Nuevo Chino y como se celebra, pero hoy queremos presentaros una exposición que nos relata los orígenes míticos de esta festividad. La exposición se titula "La versión oculta dela leyenda del Nian" y se puede visitar en el espacio creativo La Quinta del Sordo hasta el próximo jueves.

Para explicarnos la exposición hemos entrevistado a sus comisarias, Celeste Mao y Victoria Saiz.

¿Cómo surge la idea de esta exposición?
Desde hace tiempo existe una gran influencia de culturas diversas, esto junto con otras ideas que nos influenció continuamente, eso constituyó el antecedente para el prototipo de esta exposición específica. Si hablamos de Celeste Mao, ella es una artista que nació en China y reside en España desde hace años. Ella a su vez encontró a Victoria, una artista que nació y reside en el barrio multicultural de Usera. Luego se dio la casualidad de que en España hay un gran peso de la cultura china, entre otras fiestas se celebra en España el año nuevo chino. Sin embargo, aunque esta cultura es muy rica en tradiciones y muy llamativa no es muy conocida en occidente, sólo de manera superficial. Además, sabíamos que las leyendas de China tienen un origen incierto y muy antiguo.

En resumen, nosotras queríamos aportar a la fiesta del año nuevo chino una parte artística con nuestra visión y llevarlo más allá de una celebración. En este caso el año nuevo chino tiene además su origen en una leyenda y ésta se puede interpretar de manera literal o desde un punto de vista más profundo y filosófico. Por eso nos planteamos dos partes en la exposición pensando en la filosofía daoísta, la parte del yang es lo literal de la leyenda y la parte del yin son las obras reflexivas e ideas sobre el concepto del tiempo. Es imprescindible que haya estas dos partes, debido a la circunstancia que impidió que se expusiera todo en el mismo lugar, de manera que se llevó a dos espacios diferentes. Ambas cuentan el mismo tema, pero de distinta manera, fomentando el conjunto de experiencias nuevas de los espectadores. La primera parte es una exposición más literal y más figurativa expuesta en el ayuntamiento de Usera y esta exposición, en La Quinta del Sordo, es la segunda parte más abstracta y que va más allá, con un significado más profundo. Este significado más profundo es el paso del tiempo, el concepto que sistematizó el ser humano y del cual es autoconsciente.

¿Cómo habéis seleccionado a los artistas?
Los artistas fueron seleccionados en base a su interés en esta cultura, a la vez les atraía la leyenda por lo que se inspiran en ella y a partir de ahí, realizan su obra. Así se cambia la visión que tiene originalmente desde un punto de vista oriental y se ve con nuevos ojos desde un punto de vista occidental.

¿Y sus obras? ¿Cuál ha sido el criterio de selección? 
Hemos seleccionado las obras por su calidad artística y el concepto que presentaban para hablar de la leyenda desde el paso del tiempo u otros aspectos de la leyenda que no se ven a simple vista.  Cada obra es la visión de cada artista; siendo todo, al final, un conjunto de todas ellas con un punto de inicio y con un punto de encuentro en La Quinta del Sordo.

¿Qué se van a encontrar los visitantes en la exposición? 
Se puede encontrar una amplia gama de estilos y técnicas, ya que para representar la leyenda hemos querido que cada artista lo cuente con su propia visión y estilo. Tenemos muchas obras abstractas y figurativas realizadas con técnicas húmedas, otras figurativas de ilustración digital y por último fotografías que nos hacen una retrospección gracias al tratamiento de la imagen.

Todas las obras giran en torno al mismo concepto que nos invita a reflexionar, el tiempo. La otra parte de la exposición, la más literal, la hemos enfocado de manera interactiva para romper estándares antiguos y dar un giro a la expo. Cuando se deja de lado la visión superficial del tema y se centra en el significado oculto y profundo es cuando se inicia la exposición que está montada aquí.

¿Qué tal ha sido trabajar en la Quinta del Sordo?
Ha sido una buena experiencia, hemos recibido ayuda y apoyo a la hora de realizar la exposición, lo cual es siempre bienvenido.

¿Cuáles son vuestros próximos proyectos como comisarías? 
Por el momento no estamos sumergidas en ningún proyecto común, pero es posible que volvamos a colaborar en el futuro, seguir la línea iniciada. Por ahora estamos cada una en nuestros propios proyectos.


La versión oculta de la leyenda del Nian
Coworking creativo La Quinta del Sordo
Hasta el 16 de frebrero

miércoles, 25 de enero de 2017

Yang Yongliang 杨泳粱, entre la tradición y el arte digital

Yang Yongliang, 'Phantom Landscape III', 2007
Como sabéis, la intención de este blog ha sido desde el principio dar a conocer el trabajo de los artistas chinos actuales al público español. Sin embargo, llevado por la curiosidad que me generan otras muchas cosas que pasan a mi alrededor, he estado bastante tiempo sin dedicar un artículo en exclusiva a algún artista chino. Por eso he decidido hablaros de un autor que en los últimos años está realizando uno de los trabajos más interesantes en fotografía y técnicas digitales, Yang Yongliang (杨泳粱). 

Conocí su trabajo allá por el 2008 cuando yo todavía vivía en Shanghai en una exposición titulada 'Material Link - Un diálogo entre artistas griegos y chinos' en el fantástico Museo de Arte Contemporáneo de Shanghai (de obligada visita cuando estéis en la ciudad).

Yang Yongliang nació en Shanghai en 1980 y antes de ingresar en la Escuela de Arte y Diseño de Shanghai estudió caligrafía y pintura tradicional china, por lo que la estética de su trabajo tiene una fuerte influencia tradicional. Sin embargo, los temas que trata son de una gran actualidad ya que cuentiones como el urbanismo desaforado o la industrialización componen la mayoría del significado de su obra.

En el trabajo de Yang Yongliang los edificios, las fábricas y las chimeneas sustituyen el lugar ocupado tradicionalmente por las montañas, valles y ríos en las shan shui (山水), tradicionales pinturas chinas de paisaje, aunque a diferencia de estas, crea sus imágenes con actuales técnicas digitales. El resultado son unos entornos fantasmagóricos, más cerca de lo onírico que de lo real, pero que a su vez sirven al artista para denunciar la excesiva industrialización que se está apoderando, a la vez que contaminando, del medioambiente chino.

Su inquietud artística es muy amplia, lo que le ha llevado a trabajar en multitud de formatos, como fotografía, pintura, vídeo e instalaciones, siendo siempre el arte digital lo que ha predominado sobre el resto.

La obra de Yang Yongliang ha sido exhibida ampliamente en museos y galerías de Asia, Europa, Australia y Estados Unidos, aunque hasta ahora no hemos podido ver nada en España.

A pesar de que en su día no incluí a Yang Yongliang en nuestra lista de los 10+1 artistas contemporáneos chinos que deberías conocer, estoy seguro de que la fusión de técnicas y estilos en su obra y la calidad de su discurso artístico, harán que Yongliang se convierta en uno de los fotógrafos chinos más importantes en los próximos años a nivel internacional, y espero que pronto podamos disfrutar de su trabajo en España.

Yang Yongliang, 'Viridescence', 2009

Yang Yongliang, 'A Cloud On the Horizon', 2008

Yang Yongliang, 'Snow City', 2009