jueves, 14 de diciembre de 2017

Entrevista a Eva Hernández Calderón, directora de Two Art Gallery: "hemos asistido a una especie de boom de artistas asiáticos"

Eva Hernández Calderón posa junto a una obra de Daowei
La nueva galería murciana de arte contemporáneo Two Art Gallery se inaugura con Asia Tercer Milenio, una muestra sobre realismo asiático actual, que podrá visitarse hasta enero del 2018. Con más de 30 obras de 15 artistas procedentes de China, Corea y Taiwán, la exposición hace un recorrido por el realismo artístico más crítico y comprometido socialmente.

La directora de la galería, Eva Hernández Calderón, nos cuenta como ha sido el proceso de creación de este proyecto y nos habla de arte asiático contemporáneo.

¿Cómo os decidisteis a lanzar a este proyecto?

Llevo muchos años trabajando en el mundo del arte, bien colaborando con diferentes galerías, organizando exposiciones y asesorando a coleccionistas, incluso dirigí una revista de arte contemporáneo, y durante todo este tiempo siempre me rondó la idea de crear un proyecto como este, un espacio dedicado a las últimas vanguardias figurativas con un enfoque internacional pero solo ahora se han dado las condiciones necesarias para poder hacerlo realidad.

No ha sido fácil, de hecho, he dedicado los dos últimos años a madurar cada detalle, todo está pensado partiendo desde el más alto nivel de exigencia, pero cuando ves el resultado pienso que todo ha merecido la pena.

¿Cuáles van a ser los ejes de la programación de Two Art Gallery?

Siempre he sentido un gran interés por el arte figurativo, en cómo ha evolucionado durante las últimas décadas con el empleo de nuevos medios y materiales, y en las grandes diferencias estéticas existentes entre artistas procedentes de diferentes puntos geográficos. Muchos creían que la figuración estaba muerta, que ya no había nada nuevo que aportar, incluso he llegado a escuchar que era un arte poco arriesgado y tradicional, pasado de moda, pero creo que más bien ha sucedido todo lo contrario, estos últimos diez años ha habido un resurgir y una revalorización del realismo, hiperrealismo y todo tipo de figuración. Es curioso ver cómo esas galerías, algunas de ellas muy conocidas, que antes despreciaron el trabajo de tantos artistas figurativos solo por el hecho de serlo, ahora son sus más “fieles” adeptos.

Han surgido nuevas generaciones que todavía tienen mucho que decir y ése va a ser el eje de nuestra programación, ofrecer al coleccionista nuevos valores sin olvidar a los ya consagrados y sin tener ningún tipo de limitación geográfica. Vamos a trabajar con artistas procedentes de cuatro continentes, de hecho, ya tenemos cerradas las dos primeras temporadas, algunos de ellos es la primera vez que van a exponer en Europa. Realismo, hiperrealismo, figuraciones varias…, y siempre desde la mayor calidad.



Una galería murciana especializada en vanguardia figurativa internacional, ¿no es muy arriesgado?

Por desgracia hoy en día emprender cualquier tipo de negocio o empresa es ya una locura en sí misma pero ya se sabe que el mundo está lleno de locos…
Quizás hace treinta o cuarenta años comenzar con un proyecto de estas características en una pequeña ciudad como pueda ser Murcia o cualquier otra resultaba sorprendente o inusual, pero afortunadamente, hoy no existen ni esos prejuicios absurdos ni esas barreras. El público murciano sabe comprender y valorar lo que se le ofrece, hay muy buenos coleccionistas en esta tierra, sin olvidar que hoy por hoy las galerías tienen una serie de herramientas, como son internet en general y las redes sociales en particular, que hacen posible traspasar las fronteras y llegar a todo tipo de público sin importar su ciudad o país de residencia.


¿Por qué habéis decidido inaugurar vuestra galería con una exposición dedicada a artistas asiáticos?

Fue durante mi etapa en la revista La Máquina Contemporánea que tuve la gran suerte de conocer y tener contacto con infinidad de artistas. La primera vez que vi imágenes de Zhang Xiaogang, Yue Minjun, Luo Brothers o Ai WeiWei me quedé impactada, su manera de entender el color y las formas tan diferente a la occidental, la fuerte crítica política y social… me pareció algo tan nuevo y distinto que solo quería ver más y más.

Hemos asistido a una especie de boom de artistas asiáticos, han estado tanto tiempo al margen del mundo, escondidos, con miedo a expresar sus ideas, que en cuanto han tenido la mínima ocasión han salido de su encierro aportando una gran riqueza visual al arte contemporáneo internacional. Me pareció algo increíble poder ofrecer al público esa experiencia inquietante y sorprendente de descubrir este universo estético tan enriquecido

Zang Peng. Yo Yo Nº2. 2006
¿Cuáles son los aspectos del arte asiático que os parezcan más interesantes para mostrar a vuestros visitantes/coleccionistas?

Creo que lo más destacable son las propias diferencias iconográficas y su manera tan diferente de entender el arte, las lecturas tan distintas que hacen de cualquier icono que bajo un punto de vista occidental sería radicalmente opuesto. Son obras que te atraen por sí mismas, no necesitan de muchos discursos paralelos porque hablan directamente con el espectador. 

¿Crees que el arte asiático es una buena inversión para un coleccionista español?

Evidentemente sí, cualquier obra de calidad supone una buena inversión siempre y cuando esté apoyada por el trabajo de una buena galería, no se puede estar fuera del mercado para poder ser considerado un coleccionista. Todos los artistas presentes en Asia Tercer Milenio han sido seleccionados por su gran calidad y proyección, muchos de ellos exponen habitualmente en importantes galerías de Nueva York o Beijing y están presentes en las más destacadas ferias como Art Basel.

En términos logísticos ¿ha sido muy difícil montar una exposición con obras de artistas que viven a decenas de miles de kilómetros?

Bueno, no te voy a engañar, fácil no ha sido, de hecho, hemos tenido algún que otro contratiempo con varias obras, pero esto siempre ocurre con los transportes internacionales. La seguridad es siempre lo más delicado porque la mayoría de las obras son muy frágiles, sobre todo la escultura, y siempre es un riesgo mover obras de este tipo, aunque al final ha resultado todo bien.

Pero lo que es una realidad es que actualmente todavía existen muchos problemas burocráticos e impuestos demasiado elevados en la importación-exportación de unos países a otros, con Asia es especialmente difícil desarrollar la logística para un volumen tan importante de obras.

Luo Brothers. Escalando la Coca-Cola. 2008
Habéis conseguido traer a artistas muy relevantes del panorama asiático actual como los Luo Brothers o Daniel Lee ¿cómo habéis hecho esta selección?

Como ya te comentaba son artistas que yo ya conocía y seguía su trabajo desde hace tiempo. Lógicamente siempre se quedan muchos nombres en el tintero, pero claro, al final la limitación del espacio te obliga a hacer una selección. Lo primero que hemos considerado es la buena calidad técnica, partiendo de ahí la idea siempre fue la diversidad de lenguajes, técnicas y soportes para poder ofrecer una visión lo más extensa posible del arte contemporáneo asiático. Aunque de manera individual son artistas muy distintos, los rostros grises de mirada triste de Chun-Sung Myung, la terrible locura de los personajes de Lu Zhengyuan, las fotografías rotundas y siempre polémicas de Zhang Peng, el niño no nacido envuelto en sangre de Duyan, o la conmovedora anciana de Jackie K. Seo…, creo que en conjunto todos comparten una gran fuerza en su trabajo y esa sensación llega al espectador cuando visita la exposición.

Con la mayoría de ellos mantenemos una relación de amistad desde hace años.

¿Cuáles serán las próximas exposiciones en Two Art Gallery?

Jajajajaja… Quieres saber demasiado. Bueno sólo puedo adelantarte que la próxima muestra será una individual de un escultor americano realmente impresionante, es un auténtico icono en los Estados Unidos, va a ser su primera exposición individual en Europa, nunca antes se han visto trabajos de este artista y para nosotros es un auténtico honor poder ser los primeros.

¿Os veremos en alguna feria de arte madrileña pronto?

De momento no es algo prioritario, lo primero es afianzar nuestro nombre y esto lleva un gran trabajo detrás, aunque tampoco lo descarto, todo depende de cómo vaya surgiendo todo.

Zhang Peng. Rojo Nº4. 2007

Vista de la galería con las obras de Lu Zhengyuan

martes, 28 de noviembre de 2017

"El arte puede ser una herramienta para lograr una relación sensible y equilibrada con nuestro entorno". Entrevista a HÖNEVO, director del Bionic festival

HÖNEVO
"El término Bionic significa referido a la vida, del griego Bios y del latín icus. Esta palabra ha sido apropiada por el mundo de la tecnología y la robótica". Así explica HÖNEVO, director del Bionic Festival, el origen semántico del nombre de un festival diferente y original que combina la expresión artística con el respeto al medio ambiente.

Esta semana comienzan los ensayos por parte de los finalistas y el día 30, con motivo del Día Internacional para la Memoria de las Especies Extinguidas, tendrá lugar la final en la sede de la escuela de fotografía MAPHOTO.

En Why On White hemos querido entrevistar a HÖNEVO para que nos cuente en qué consiste el festival y qué podremos ver durante la celebración del mismo.

¿En qué consiste BIONIC Festival?

El Bionic Festival es un evento que une danza, música y árboles móviles, para generar un nuevo lenguaje artístico entre personas y especies botánicas. Es una nueva forma de entender el arte, una nueva perspectiva, porque el artista comparte escenario con otro ser vivo. Es un arte bi-hemisférico, donde el ser humano deja de ser el centro de su propio discurso y se abre un nuevo horizonte de diálogo con plantas, generando una nueva expresividad entre personas y otros seres vivos. Es necesario que el Arte y la Danza abran camino a un planteamiento más orgánico y estimulante de la cultura.



¿Qué crees que aporta BIONIC Festival al panorama artístico actual?

Frescura, ingenuidad, magia y sobre todo una verdadera utopia. En un mundo en el que las personas nos relacionamos con tantos objetos y robots a lo largo de un día, es alucinante que la gente se sorprenda de poder bailar con un árbol, hemos perdido la perspectiva de lo que es la verdadera innovación, y el Bionic festival nos ayuda a conectar con otro ser vivo, de igual a igual, es una ruptura del antropocentrismo contemporáneo, donde la creación o discurso solo puede construirlas el hombre. Aquí el discurso también lo integra y lo moldea el árbol. Aun siendo más estático que los bailarines, produce miles de vibraciones en sus hojas y ramas y nos da una visión del mundo natural, algo que la cultura pop ha desterrado.

¿Cómo surgió una idea tan original y rompedora como hacer bailar a las plantas?

Para contestar a esta pregunta os voy a remitir a un vídeo que realizaron los amigos de Yorokobu cuando surgió la propuesta y que explica en un minuto y poco como empezó todo.


Aunque si queréis una explicación más completa, la tenéis en mi blog.

¿Cómo crees que puede influir el arte en la relación entre seres humanos y naturaleza?

En purificar y reciclar nuestro estado general de tanta representación post-pop y de cultura trash. La Fuente o urinario de Duchamp ha cumplido este año un siglo: 1917-2017. Empezó como una broma de lo que se estaba gestando en la industrialización, y la cultura y el mundo del arte lo han tomado como mantra y herramienta justificando como arte verdadera basura en los últimos 100 años. En algún momento habrá que desintoxicar la atmósfera para respirar mejor o seguir envenenados. Renovarse o enfermar. Los museos tienen menos relevancia cultural que los influencers y youtubers, el mundo se ha llenado de basura y la cultura "tradicional" se ha vuelto irrelevante. Vivimos en la cultura de la basura, de presentar cualquier creación del hombre como arte, mientras se produce una extinción masiva de la biodiversidad.

La relación entre la naturaleza y el ser humano se está perdiendo a un ritmo aterrador. Debemos luchar por establecer una relación sensible y equilibrada con nuestro entorno y el arte puede ser una herramienta para lograrlo. Los humanos debemos perder ese ego que se alimenta solo de nuestras propias creaciones.

¿Crees que es el momento de tratar de cambiar la forma en que se entiende la danza?

Definitivamente. Y no solo la danza, todas las artes y la cultura paternalista centrada en el hombre como centro de la cultura. Si no es el momento ahora, no creo que tengamos muchas más oportunidades de cambiar en el futuro.



Como artista, tu llevas varios años experimentando con la introducción de elementos biológicos en tus obras, ¿verdad?

Si se podría decir que hago bio-arte, aunque solo trabajo con plantas. Primero experimente con esqueletos vegetales, y algunos corales y minerales, para expresar que son sedimentos como la pintura y objetos totémicos que para mí se acercan al zen. Y después comencé una línea biónica y bio-magnética, en la que plantas vivas configuran la obra, pueden crecer en ella y ser transplantadas, generando obras vivas de ciclo circular, que reflejan el dinamismo de la realidad en la que vivimos, donde todo es instantáneo. La representación estática en la era audiovisual y digital es incapaz de saciarnos. Al introducir plantas vivas que flotan en fotografías y cuadros, recreo ecosistemas y la obra tampoco es 100% mía, comparto creación con otro ser vivo y genero una ventana-calendario, que se mueve, y además purifica el aire. Las plantas son en sí mismo tecnología punta, mejores que un robot.

Hemos empezado a ver exposiciones de arte de robótica, con instalaciones de leds, realidad virtual, y nos hemos olvidado de las plantas. Mi trabajo intenta romper con una iconografía estéril y sin vida, y generar una nueva admiración y entusiasmo por el mundo botánico.

¿Cómo influye en tu trabajo el hecho de que los elementos que utilizas para tus obras estén vivos?

Que soy medio jardinero y cuido más de 150 plantas, de más de 50 especies distintas en el centro de Madrid. He sustituido pinturas y disolventes por plantas, imanes y agua. Mi propio proceso creativo ha intentado volverse más sostenible. Y creo que los artistas tenemos que ser críticos con los procesos tradicionales para reinventarlos.



¿Dónde encuentras la inspiración para tu trabajo?

Puff!!! En tantas imágenes y melodías. Últimamente en muchos bailarines y bailarinas excepcionales con los que he tenido la posibilidad de trabajar, en el arte de las tribus africanas y la historia biológica y geológica de la Tierra.

¿Podría decirse que además de artistas eres un activista medioambiental?

Se podría decir. De hecho, no creo que en estos momentos esté ocurriendo algo más trascendental para todos los habitantes del planeta que el cambio climático y la extinción de la biodiversidad. Y no creo que ningún artista verdadero pueda en estos momentos concentrarse en representar su ego en vez de convertirse en un activista medioambiental.

La producción artística tiene que reconciliarse con una naturaleza masacrada y generar utopías como la danza biónica, una danza entre personas y árboles móviles, construir lenguajes inter-biológicos, que la ciencia no pueda desenmascarar al 100% es el verdadero Arte-Alien que hemos anhelado en todas esas películas donde exploramos el espacio. El ecosistema natural, se ha convertido en extra-terrestre para la mayoría de seres humanos y toda persona si quiere respirar un poco mejor, se tiene que convertir un poco en activista medioambiental, o entender su poder como consumidor responsable e informado, capaz de cambiar las cosas.

Las plantas son seres increíbles y la gente lo tiene que saber para mejorar su calidad de vida, respirar mejor y soñar mejor.

Y después del BIONIC Festival, ¿qué? ¿Cuáles son tus próximos proyectos?

Después de Bionic, pues más Bionic. Esto acaba de empezar. Tengo trabajo atrasado para ACME, la asociación de creadores de Moda de España, unas fotos para la fundación Ramón Menéndez Pidal, y un proyecto de consultoría oncológica y de radioactividad. Me gustaría tener tiempo para desarrollar más otros proyectos artísticos, como las Bionic Photos, espero poder publicar alguna sorpresa en 2018.



martes, 21 de noviembre de 2017

5 cosas que aprendí cuando monté (y fracasé) mi empresa cultural en China

Hoy os voy a contar una historia que espero os pueda ayudar si estáis pensando en montar una empresa cultural. No pretendo con ello daros lecciones de nada, nunca me gustaron los coachers ni los gurús y no me considero ejemplo de nada, simplemente quiero compartir con vosotros una experiencia personal sobre un proyecto fracasado, que espero que pueda seros útil para que no cometáis los mismos errores que hicimos nosotros.

Lo mejor que me llevé de mi experiencia en China, fue conocer a un montón de amigos con intereses e inquietudes similares a las mías, como viajar, aprender idiomas, conocer modos de vida diferentes, etcétera. Entre todas estas inquietudes destacaba una que era común a casi todos nosotros, el interés por crear un proyecto empresarial innovador que sacara partido a nuestra experiencia en China. Esté objetivo fue el que nos llevo a cuatro amigos a convertirnos en socios y montar una empresa cultural, basada en la innovación y con base en Beijing.

Sin entrar en detalles, os diré, que se trataba de una idea demasiado grande, en la que estábamos involucrados cuatro chavales sin apenas experiencia en gestión, y enfocada a un mercado que no estaba maduro todavía para el producto que proponíamos. ¿Qué podía salir mal? Todo, claro. Sin embargo, me sirvió para aprender algunas cosas que paso a contaros por si pudieran ayudaros cuando montéis vuestro proyecto cultural.

Pero antes de comenzar, os aviso de que éste no es un artículo en el que encontrareis una guía paso a paso de los trámites a realizar para montar una empresa, así que si eso es lo que estáis buscando, os dejo un link donde os lo explican todo muy bien aquí.


1.- Definición clara del modelo de negocio

Como muy bien explica mi amigo Mario López de Ávila "tu producto no es tu negocio, tu modelo de negocio es tu negocio". Amancio Ortega no se ha hecho rico por vender camisetas, sino por cómo vende esas camisetas que de ser ofrecidas bajo otro modelo de negocio, no habrían pasado de ser camisetas baratas. Por eso es importante tener claro, no solo cual es tu producto, sino cuál va a ser el modo en el que vas a funcionar.

Es un error muy habitual que vi en muchos jóvenes emprendedores cuando, junto con LANAU Espacio Creativo, organizábamos Work & Project (un evento destinado a que diversos jóvenes emprendedores culturales pudieran entrar en contacto con otros profesionales e inversores del sector cultural), muchos de ellos habían definido bien su producto, pero no habían conseguido definir quién iba a pagar por ese producto. Demasiadas veces solo apuntaban un simple "financiación de instituciones publicas y privadas" para definir sus clientes.

Ésta ha sido una discusión en la que me he enfrascado en muchas ocasiones con compañeros profesionales del arte en diversos foros, y a día de hoy sigo pensando lo mismo. Alguien tiene que pagar por la cultura, sino, no habrá cultura. 

Por lo tanto es importante definir bien cual es nuestro modelo de negocio, cómo funciona, como se financia y cómo va a crecer. Debemos de establecer un modelo de negocio en el que alguien pague, y si ese alguien es demasiado ambiguo, como por ejemplo "instituciones públicas", debemos redefinirlo. Si no tenéis experiencia diseñando modelos (y no sabes exactamente que debéis definir), os recomiendo el modelo de Canvas de Alexander Osterwalder, sencillo y completo. 

2.- Adaptabilidad

Una vez que lancemos el proyecto, nos daremos cuenta que muchos de los parámetros que hemos planteado no funcionan como pensábamos. Eso no quiere decir que todo el proyecto sea inválido, sino que habrá algunas cosas que tengamos que mejorar o redefinir para adaptarnos al entorno real en el que nos estamos desenvolviendo.

Por ejemplo, nuestro proyecto en China tenía dos canales de negocio, pero desde bien pronto nos dimos cuenta que uno de ellos no funcionaba adecuadamente. Una investigación más profunda nos mostró que había empresas mucho más relevantes que nosotros haciendo lo mismo y en un país como China donde los timos son relativamente habituales, los clientes se decantaban por empresas que ya conocían. Por ello decidimos centrarnos tan solo en el otro canal. Tuvimos que adaptarnos al entorno. Esto es lo que los emprendedores llaman "pivotar": utilizar una información que habéis contrastado para adaptar el modelo original con lo que los indicios marcan qué va a funcionar.  

3.- Planificación financiera / Capitalización


Como siempre, la pasta. No se puede montar una empresa sin tener una fuente de financiación que asegure la viabilidad y la duración de la misma. Por ello es importante encontrar un buen plan de financiación. En nuestro caso teníamos un socio experto en finanzas que fue capaz de encontrar la financiación necesaria así como de gestionar los escasos recursos económicos de los que disponíamos.

Conviene que seas muy conservador en tus cálculos. Ten en cuenta que muchos de los gastos que hayas calculado al final acabarán siendo muy superiores, mientras que, por lo general, los beneficios obtenidos, muchas veces no serán los esperados. Haz cálculos amplios para evitar estar siempre en la cuerda floja.

Por último, si no eres bueno con esto de los números, lo mejor que puedo recomendarte es que busques a alguien que te eche una mano, ya sea un socio financiero como en nuestro caso, o un proveedor externo.

La mayoría de empresas fracasan por la tesorería (no tener disponibilidad de caja) y muchos emprendedores cometen el error de no calcular bien su pulmón financiero (o su buffer - el tiempo que sus ahorros les permitirán vivir sin ingresar). No dejéis nunca que una mala planificación arruine un gran negocio. 

Y como quiero que este post, pueda serte realmente útil, a continuación os dejo un pequeño listado de instituciones que prestan ayuda financiera a emprendedores:

4.- Gestión del equipo

Otro de los temas importantes que no debemos dejar al azar es la gestión del equipo. Un adecuado análisis de los recursos humanos disponibles para el proyecto es fundamental a la hora de definir los roles dentro de la empresa. En nuestro caso fue muy fácil debido a que cada uno de nosotros teníamos un perfil específico muy bien definido. Había un financiero, una comercial, alguien de logística y yo, que me encargaba de los contenidos culturales del proyecto. Por suerte, esto sí que lo hicimos bien, pero no siempre es tan fácil y muchas veces las responsabilidades no quedan bien definidas y se duplica trabajo, se derrocha esfuerzo y todo termina convirtiéndose en un caos.

Lo primero que debemos hacer, por tanto, es una distribución eficiente de las tareas y responsabilidades, en función de las capacidades de cada persona involucrada en el proyecto. Además, deberemos diseñar procesos adecuados y facilitar una buena comunicación para facilitar el trabajo. Tener un timing claro y realista también ayudará a una mejor gestión de los recursos humanos. Por último, crear un buen ambiente de trabajo sin caer en la "simpatía forzada" es fundamental para la gestión de los equipos.

Cuando hablamos de gestión de equipos también hablamos de saber contratar a las personas adecuadas para las necesidades de la empresa, así como saber despedir a aquellas personas que demuestren que no son capaces de cumplir las tareas para las que fueron contratados.

La calidad del equipo es uno de los aspectos clave que analizan los inversores a la hora de plantearse apostar por una empresa. No sólo la experiencia y compromiso de los miembros, también sus perfil competencial. Elegir mal puede ser muy caro. 




5.- Plan de Negocio 

Por último, pero no por ello menos importante, es diseñar un buen plan de negocio (business plan) antes de lanzar el proyecto. Éste debe definir objetivos a medio plazo, para poder medir, según las KPIs (indicadores clave) que nos hayamos marcado, si lo estamos haciendo bien o si por el contrario debemos pivotar. Además deberemos tener en cuenta en qué momento daremos un salto importante, como por ejemplo, pasar de un mercado local a uno nacional, y cuando deberemos refinanciarnos para acometer las mejoras necesarias.

El plan de negocio funcionará como hoja de ruta, nunca se cumplirá al 100%, pero ayudará al equipo a mantener una visión común al respecto de los objetivos.



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Espero que estos consejos os sean de mucha utilidad en vuestros proyectos y que os ayuden a sacar adelante empresas de éxito.  
¡Mucha suerte!

jueves, 2 de noviembre de 2017

Abierta la convocatoria para el Festival Internacional de Danza Biónica

Tras el éxito de su primera edición, regresa a Madrid el BIONIC Festival. Un festival internacional de danza experimental en la que los creadores fusionan danza, música y arte con naturaleza y sostenibilidad medioambiental. 

Tomando como inspiración las antiguas tradiciones religiosas y rituales en las que la naturaleza era la protagonista, se pretende crear una nueva forma de expresión en la que los bailarines y coreógrafos creen piezas artísticas acompañados de árboles y plantas móviles.

La Danza Biónica es un concepto creado en 2014 por el artista multidisciplinar Honevo. Una idea que busca, a través de la danza, configurar un lenguaje artístico en el que los bailarines puedan expresarse compartiendo protagonismo con uno o varios árboles en movimiento. Se establece así, un diálogo entre los diferentes organismo con las artes escénicas como medio de expresión.

El festival se llevará a cabo a lo largo del mes de noviembre en la escuela de fotografía MADPHOTO en Madrid. Los finalistas dispondrán del plató de la escuela los días 28 y 29 de noviembre para poder ensayar y contarán con entre 5-7 especies de árboles diferentes para diseñar sus coreografías o performances. La competición final tendrá lugar el día 30 coincidiendo con el Día Internacional para la Memoria de las Especies Extinguidas. El jurado, compuesto por 5 importantes personalidades del mundo del arte y la cultura, elegirá a los tres ganadores que en esta edición recibirán un premio de 1.000€ para el ganador, 500€ para el primer finalista y 250€ para el segundo finalista.

En Why On White tenemos el placer de anunciar que formaremos parte del equipo de medios colaboradores del BIONIC Festival y os animamos a que participéis en este festival que mezcla pasión por la danza y concienciación por el medio ambiente. Si sois bailarines, artistas, performers, actores, acróbatas o coreógrafos mayores de edad y queréis concurrir al BIONIC Festival solo tenéis que inscribiros en este enlace antes del 15 de noviembre del 2017.

Por último, nos gustaría invitaros a pasaros por la web del festival para disfrutar de los excelentes trabajos presentados el año pasado por bailarines y músicos. Aunque a nosotros nos gustaría destacar aquí el trabajo del ganador de la primera edición, David Vento. 



miércoles, 20 de septiembre de 2017

Dibujos por sonrisas, una iniciativa solidaria a través de la creación artística

Hoy os queremos hablar de Dibujos por sonrisas, una iniciativa que, tomando como punto de partida la creación artística, trata de llevar un poco de solidaridad a los campos de refugiados de Grecia. Un proyecto tan creativo como necesario y generoso en el que estamos todos invitados a participar.

Dibujos por sonrisas es una iniciativa creada por Creativos en acción, una ONG que trata de dignificar las vidas de los refugiados que llegan a las costas europeas gracias a la financiación obtenida a través de propuestas artísticas y creativas.

La iniciativa surgió tras la experiencia personal de varios de los voluntarios de Creativos en acción cuando visitaron los campos de refugiados de Alexandría en Grecia y Pirot en Serbia. Durante aquella primera estancia pudieron trabajar varias propuestas artísticas en las que los niños refugiados mostraron su parte más creativa a través de talleres de dibujo y pintura. 

Tras esta primera experiencia y con la asociación Creativos en acción ya en marcha, retornaron al campo de Pirot, donde pusieron en práctica su primer proyecto: restaurar y decorar desde cero uno de los espacios comunes del campo utilizado habitualmente para realizar actividades con niños y mayores. Gracias a la colaboración, la ONG Refugees Foundation Serbia, encargada de la educación en el asentamiento, también realizaron diversos talleres creativos y pudieron experimentar como, a través del dibujo, se puede transformar un poco las vidas de las personas refugiadas atrapadas en un campo.

Para conseguir los fondos necesarios, más de 150 ilustradores y artistas españoles han donado un dibujo que se podrá descargar desde la página web del proyecto a cambio de un donativo que irá destinado íntegramente a acciones solidarias desarrolladas en distintos campos de refugiados en Europa.

En la web os podéis descargar dibujos tanto de dibujantes muy reconocidos como Kukuxumuxu, Mariscal o Mauro Entrialgo, como de algunos de nuestros artistas favoritos como Lady Desidia, Aitor Sarabia o Ricardo Cavolo.

Las opciones son muy amplias y la calidad de los trabajos es excelente, aunque a nosotros nos ha robado un poquito el corazón el dibujo de Calpurnio, creador del popular El bueno de Cutlas al que ha representado descansando bajo un árbol con una estética que recuerda a las pinturas sumi-e de tinta china y del que, por supuesto, ya tenemos nuestra copia.

No sé a vosotros, pero a nosotros el proyecto nos mola mucho y además creemos que no hay nada más bonito que un niño utilizando el dibujo como medio de expresión.



miércoles, 13 de septiembre de 2017

蔡国强 Cai Guo Qiang nos descubre "El espíritu de la pintura" en El Prado

Cai junto a Las Meninas de Velázquez, 2017
 Foto de Javier Molina, cortesía de Cai Studio
Los amantes del arte chino no estamos acostumbrados a que en nuestro país se celebren grandes exposiciones sobre artistas chinos, por eso, cuando un gran museo como El Prado nos propone una magnífica exposición de uno de los artistas chinos más relevantes, Cai Guo Qiang (al que en su día elegimos como uno de los 10+1 artistas chinos que deberías conocer), nos sentimos muy ilusionados.

Esta será la segunda vez que El Prado dedica una retrospectiva a un artista vivo en sus casi 200 años de historia tras la dedicada al estadounidense Cy Twombly en el 2008. 

¿Quién es Cai Guo Qiang?

La obra de Cai Guo Qiang se ha hecho famosa en todo el mundo por utilizar un elemento tan característico chino como es la pólvora, para crear potentes imágenes que hablan sobre la propia naturaleza humana.

Nacido en Quanzhou, provincia de Fujian, estudió escenografía en la Academia de Teatro de Shanghai. En su adolescencia Cai Guo-Qiang vivió los efectos de la Revolución Cultural de Mao lo que le ha llevado a declarar que "En cierto sentido, Mao Zedong influenció a todos los artistas de nuestra generación con su romanticismo y sentimientos utópicos". Desde muy temprano en su carrera artística, exploró diferentes técnicas de expresión como la pintura, la escultura, el vídeo y la performance. Pero no fue hasta su traslado a Japón en 1986 cuando comenzó a trabajar con la pólvora como elemento plástico, lo que le ha hecho internacionalmente conocido. Tras esta etapa japonesa sumamente prolífica en obra, exposiciones y galardones, se trasladó a Nueva York en 1995 donde reside en la actualidad.

Cai Guo-Qiang, Last Carnival, 2017. Pólvora sobre lienzo. Foto de  Yvonne Zhao, cortesía de Cai Studio

La obra de Cai Guo-Qiang se inspira en una temática muy amplia de ideas, tradiciones y narrativas como el feng-shui 风水, la medicina tradicional china, las pinturas shan shui 山水 (de las que algún día, espero no muy lejano, os hablaré), la naturaleza y el retrato. Así, basándose en la filosofía oriental y las cuestiones sociales contemporáneas, sus proyectos tienen como objetivo establecer un diálogo entre los espectadores y el universo más amplio que los rodea, utilizando para ello un enfoque muy personal del artista sobre la cultura y la historia.

El éxito de su trabajo le ha llevado a ser el primer artista chino al que el Guggenheim de Nueva York dedicó una retrospectiva, además de haber realizado exposiciones en los mejores museos del mundo como la Tate Modern de Londres, el MoMa de Nueva York, el Museo Árabe de Arte Moderno de Doha y ahora, El Prado en Madrid. 

Entre los galardones recibidos por Cai Guo-Qiang constan el León de Oro en la 48ª Bienal de Venecia en 1999, el Premio de Arte de Hiroshima en 2007 y el 20º Premio de Cultura Asiática de Fukuoka en 2009. Entre sus premios más recientes se incluyen el Premio de la Fundación Barnett y Annalee Newman en 2015, el Premio Bonnefanten de Arte Contemporáneo (BACA) 2016 y el Premio Asia Art Award en 2016.

Cai Guo-Qiang, Mountain in Heat, 2016. Pólvora sobre lienzo. Foto de Yvonne Zhao, cortesía de Cai Studio

El espíritu de la pintura

El proyecto fue presentado por Miguel Zugaza el pasado mes de marzo en el Salón de Reinos en uno de los últimos actos de éste como director de El Prado. Zugaza, que además ejerce como comisario de la exposición relativa al proyecto que podrá verse de octubre del 2017 a marzo del 2018, contó como el proyecto se planteó hace dos años cuando el pintor chino visitó la exposición que El Prado dedicó al centenario de El Greco. 

No es la primera vez que Cai Guo Qiang, que se declara un gran admirador de los clásicos españoles, expone en nuestro país, ya que anteriormente lo ha hecho en el IVAM de Valencia y en el Guggenheim de Bilbao, pero en esta ocasión lo hará en el Salón de Reinos del Museo de El Prado, en el que creará una serie de pinturas inspiradas en lo que fue el Palacio del Buen Retiro, utilizando su original técnica basada en la pólvora y para las que contará con la ayuda de un equipo de expertos en pirotecnia valencianos. La exposición titulada El espíritu de la pintura, constará de varias obras a escala monumental y ahondará en la relación personal del autor con los grandes maestros de El Prado.

En esta exposición los visitantes conocerán la influencia ejercida por El Greco en la obra del artista chino, presente en sus piezas más tempranas, así como en el viaje que le llevó a recorrer los lugares esenciales en la vida de El Greco, como su ciudad natal en Creta, Venecia, Madrid y finalmente Toledo.

Con esta exposición Cai Guo-Qiang aspira descubrir el espíritu de su propia pintura, a la vez que se plantea diversas cuestiones sobre la pintura contemporánea. Con su técnica artística única de utilización de la pólvora, ahondará en los temas y sensibilidades de grandes maestros presentes en El Prado como Tiziano, Velázquez, Rubens o Goya

Con este proyecto además se pretende alentar un uso alternativo del Salón de Reino que tantos años sirvió como museo del ejército, y que sirva como sede de residencias para artistas contemporáneos que trabajen durante un tiempo en el espacio, para posteriormente dar a conocer el resultado de su obra a través de una exposición en la pinacoteca.

Cai Guo-Qiang, Palmyra, 2017. Pólvora sobre lienzo. PFoto de Wen-You Cai, cortesía de Cai Studio


Cai Guo Qiang e Isabel Coixet

Isabel Coixet y Cai Guo-Qiang en el estudio del artista
 en New Jersey, USA.
 ©Stephanie Yang Che
Otro de los ingredientes de esta exposición que en WoW nos ha enamorado es la colaboración surgida entre el artista chino y la cineasta catalana Isabel Coixet, que ha creado una película para documentar el proceso de creación de las obras de Cai Guo-Qiang durante estos meses en el Salón de Reinos.

El documental dirigido por Coixet y producido por Miss Wasabi Films para El Prado, tendrá una duración de 60 minutos y mostrará el trabajo del artista chino en todo su proceso creativo, desde los inicios del proyecto en el estudio del artista en Nueva Jersey, hasta la producción de las obras en el Salón de Reinos.

El documental tendrá una versión más corta, de 20 minutos, que se mostrará en la exposición que El Prado tiene preparada para octubre de este año y se proyectará en la sala D del edificio de los Jerónimos. 

La cineasta catalana ha declarado admirar a Cai Guo-Qiang desde hace mucho tiempo. Según ella "La espectacularidad y magnificiente belleza de sus obras deja boquiabierto a medio mundo, a mi incluida, pero su talento no termina en usar una técnica propia y estrechamente conectada a su pasado cultural. Va mucho más allá. Es como si la inundación que hace en el cielo de colores, fuego y resto de pólvora le conectan con algo elevado, místico y claramente único".



lunes, 11 de septiembre de 2017

Este fin de semana se celebra Apertura 2017 en Madrid

Me busco y no me encuentro de César Blay que podrá visitarse en BAT - Alberto Cornejo

Como ya vienen siendo tradición por estas fechas en el ámbito artístico madrileño, este fin de semana se celebra AperturaMadrid2017, un evento en el que de forma simultánea las principales galerías de arte dan el pistolezado de salida a su temporada expositiva.

En el evento participan las 46 galerías que forman parte de la asociación ArteMadrid que, de forma gratuita, abrirán en horarios especiales y ofrecerán diversas actividades como encuentros con comisarios internacionales, fiestas o nuestra preferida, un brunch abierto al público el sábado de 11 a 15h.

Al evento se han querido sumar instituciones como ARCOmadrid, que ofrecerá visitas guiadas a todas las galerías, y museos como el Reina Sofía, Thyssen, Museo ABC, Fundación Mapfre o Lázaro Galdiano (entre otros) que ofrecerán diversas actividades complementarias.

Podéis consultar todo el programa de actividades aquí